미술치료를 활용한 청소년 문제 진단. 미술치료 방법을 이용한 진단. 목적 및 우선순위 목표

2.2. 외상성 스트레스 및 스트레스 후 장애에 사용되는 미술치료 및 창의치료 방법 외상 스트레스 및 스트레스 후 장애를 겪고 있는 사람들에게 미술치료 지원을 제공할 때 개인으로서 사용할 수 있으며,

그림을 해석하는 것은 신비한 게임이자 과학적인 작업입니다.

P. 브루체

AT에서 훌륭한 창의적 활동은 처음에는 비유적으로 말하면 “영혼을 치유”하기 위한 치료 과정으로 간주됩니다. 즉, 일반적으로 받아들여지는 의미의 치료적 드로잉이다. 이것은 자발적인 창의성의 과정에서 사람을 관찰하고, 그의 관심사, 가치를 이해하는 데 더 가까이 다가가고, 그의 내면 세계, 독창성 및 개인 정체성을 볼 수 있는 섬세하고 인도적인 기회입니다.

동시에 국내외 전문가들은 AT 작업 참가자의 창의적인 제품이 갖는 중요한 진단 잠재력을 강조하며 이를 통해 내부적이고 깊은 경험을 표현하고 개인의 밝은 개성을 볼 수 있습니다.

때때로 미술 치료사 K. Welsby는 학생들의 특정 문제의 본질, 즉 신체적, 감각적, 인지적, 감정적 또는 행동적 요인과 관련이 있는지, 그리고 이러한 문제가 얼마나 심각한지를 이해하는 것이 매우 어려울 수 있다고 말합니다. 따라서, 내성적이고 조용한 소녀는 불순종하고 정서적으로 불균형한 소녀보다 더 심각한 문제를 안고 있을 수 있지만, 전자는 전문가의 보살핌을 받지 못할 수도 있습니다.

1924년에 재능 있는 교사 V.N. 소로카-로신스키(V.N. Soroka-Rossinsky)는 이 아이나 저 아이가 어떤 결함 때문이 아니라 오히려 자신의 복잡성과 풍부함 때문에 어려운 아이가 될 수 있다고 동료들에게 확신시켰습니다. 자연.. 반면에 절제와 정확성... 항상 영적으로 가치 있는 것을 말하는 것은 아닙니다. [Ped. op. -엠., 1991. -p. 140].

복잡하고 역동적이며 소성적인 형태로서의 성격은 구성 요소가 지속적으로 변화하는 경향이 특징입니다. 이러한 과정에 대한 연구는 의식과 무의식 영역을 포함하여 정신 활동의 다양한 특성에 영향을 미치기 때문에 항상 형식화할 수 있는 것은 아닙니다. 따라서 진단에는 적절한 체계적이고 비선형적인 절차를 사용해야 합니다.

AT에서는 진단과 치료 과정 자체가 흥미롭고 자발적인 창의성을 통해 동시에 발생합니다. 결과적으로, 진단 과정에 참여하는 당사자들 사이에 감정적이고 신뢰하는 의사소통 접촉을 구축하는 것이 더 쉽습니다.

이는 피험자가 전통적인 시험 상황이나 어린이와 함께 일하는 상황에서 발생하는 심각한 불안과 스트레스를 경험하는 경우 특히 중요합니다. 아이의 정신은 극도로 불안정하고 감정 영역도 극도로 불안정합니다. 어린 학생들은 시험에서 게임 요소를 보거나 직관적으로 정답을 찾으려고 노력하는 경우가 많습니다. 그들의 반응은 모방적일 수 있습니다. 아이들은 마음에서 우러나오는 선택을 하는 대신 자신만의 규칙을 가진 게임을 생각해 낼 수 있습니다(L. N. Sobchik).

치료 그림에서 진단 상황은 눈에 띄지 않으며 일반적으로 모든 연령의 참가자가 인식하지 못하며 방어적인 반응을 유발하지 않습니다.

진단 자료의 기본은 시각적 생산입니다. 이는 어느 정도 AT를 투영 도면 테스트에 더 가깝게 만듭니다. 일부 저자는 투영 AT를 독립적인 다양성(E. M. Burno, S. Kratokhvil, A. A. Osipova 등)으로 구별하기도 합니다. 다른 간행물에서는 AT가 표현 투영 방법 그룹에 속하며 이는 그림의 진단 기능 측면에서 상당히 정당하다고 지적합니다. 동시에 AT는 확실히 더 깊은 현상입니다.

있음 도면 해석은 그 자체로 끝이 아니며 형식 요소에 대한 정량적 및 질적 분석으로 축소될 수는 없지만 의심할 여지 없이 그러한 작업의 기본 사항이 존재합니다. 우선적인 형식 구성 요소는 선, 모양, 상호 연결된 역학의 색상뿐만 아니라 시각적 창의성 수단을 통한 상징적 표현의 기타 측면 및 방법입니다.

따라서 위의 진단 접근 방식에서는 명확성을 위해 표 형식으로 제시된 중요한 차이점을 쉽게 알 수 있습니다.

투영 그래픽 방법에서 전문가를 위한 그림 이미지는 진단 자료일 뿐입니다. 이 경우 형식 요소의 표준 척도가 사용됩니다.

그래픽 제품 작성자의 개인별 특성을 명확히하기 위해 그림의 구조적 (또는 형식적 구조적) 분할, 특징적인 세부 사항에 대한 정성 및 정량 분석 ​​및 해석이 수행됩니다.

예를 들어 디자인, 구성, 원근감, 비율, 선, 획, 조명의 특징이 모니터링됩니다(R. B. Khaikin). 이미지의 형식적인 문체 특징(M. E. Burno), 특정 매개변수의 발생 빈도 등이 고려됩니다.

요컨대, 이러한 수준의 도면 해석을 기술적 수준으로 정의하는 것이 논리적입니다.

투영 도면을 수행하면 연구자(심리학자)와 도면 후 조사 절차가 모두 필요하지 않습니다(예: 작업이 집에서 수행되는 경우). 그러나 이 경우 기술의 진단 가치가 크게 감소한다는 점에 유의해야 합니다.

AT에서 심리학자는 그림의 형식적 특징을 독립적으로 해석하는 대신 저자 자신의 의미 및 연관성 시스템에 의존하고 다양한 말하기 전략을 사용하며 얼굴 표정, 움직임, 비언어적 특징을 추적합니다. 소리 표현 및 기타 반응.

그래픽 투영 테스트의 주제별 작업 수가 제한되어 있다는 점도 강조해야 합니다. 특히 고전적인 것에는 사람 그림 (F. Goodenough, D. Harris 테스트), "나무"(K. Koch), "집-나무-사람"(D. Book)이 포함됩니다. 가족 그림 (V. Wulf; V. Hules; R. K. Berne, S. K. Kaufman) 및 기타 일부.

반대로 AT는 창의적인 활동을 위한 다양한 주제를 제공합니다. 그러나 진단 가치는 절대적이지 않습니다. 그림은 의미를 식별하기 위한 목적으로만 분석적으로 분석되지 않습니다. 내성적 인식은 완성된 작업의 외부 표시(R. Goodman, K. Rudestam, G. Fers 등)보다 더 유익한 것으로 간주됩니다.

또한, 접수된 자료를 해석하는 과정에서 주관성, 진단 기대치의 투사, 전문가 자신의 경험 등이 큰 위험을 안고 있습니다. G. Schottenloher는 "내 내면의 삶은 외부 세계에 대한 나의 인식을 방해하고 아마도 비자발적인 해석으로 아이를 그의 길에서 멀어지게 만듭니다. "라고 회상합니다.

다른 사람을 위한 비언어적 메시지로 간주될 수 있는 각 그래픽 이미지에는 특정한 개별적인 내용이 남아 있습니다. 그리고 E. S. Romanova, O. F. Potemkina에 따르면 방법론적 작업의 어려움은 저자에게 속한 것을 최대 대비로 강조하여 이미지의 규범적인 "비저자" 측면을 구성하는 것, 즉 이미지의 개요를 구성하는 것과 분리하는 것입니다. 객관적인 상황, 표준 작업의 영향, 메시지의 일반적인 의미 내용.

객관성을 추구하는 문제는 투영도면의 기초인 심리적 투영의 원리와 어느 정도 연결되어 있다. 투영은 모든 유형의 예술적, 과학적 창의성의 기초가 되며, "대상은 자신의 무의식적이거나 숨겨진 요구, 콤플렉스, 억압, 경험, 동기를 투영(반영, 표현)합니다. 더욱이 "기본 신뢰 수준이 낮은" 사람들은 대상에 투영하는 경향이 있습니다. 제품의 자발적인 창의성이 우울한 경험보다 우세합니다. 일반적으로 준비된 사람과 준비되지 않은 사람 모두 자신의 내부 상태를 시각적 형태로 투영할 수 있는 능력을 가지고 있습니다.

참가자들은 자신의 감정적 경험을 시각적 창의성으로 전환하면서 이를 말로 설명할 수 있게 되는 경우가 많습니다(M. Naumburg). 즉, 그림은 작가의 심리적 속성, 그의 세계관, x의 개성을 반영하는 것입니다.

아이가 그린 그림의 이미지는 개인의 내면적 정신상태와 관련하여 투사적이다(K. Machover). 발달의 사회적 상황, 가족 상황, 정서적, 육체적 안녕 및 기타 유사한 요소의 특징은 예술적 이미지 구성, 구성, 색상 공간 사용, 상징주의 및 움직임의 성격에 영향을 미칩니다.

낙서조차도 진단 가능성이 높으며, 낙서의 구조를 통해 전달되는 개인의 자기 인식 및 사회적 성숙도를 나타내는 지표로 간주됩니다(E. Ullman, F. Kane). M. Betensky는 낙서가 진단을 위한 새로운 정보와 미술 치료를 위한 새로운 자원을 나타낸다는 결론을 내릴 수 있다고 강조합니다.

그래픽 방법은 사람에게 현실을 투영할 뿐만 아니라 자신의 방식으로 해석할 수 있는 기회를 제공합니다. 당연히 얻은 결과는 내면의 성격, 기분, 상태, 감정 및 특성의 각인을 크게 나타냅니다. 그렇기 때문에 전문가는

시각적 프로그램의 예술을 이해하고 싶은 사람들 __ "TGUTSHYYT제시된 추측과 자신의 투영에 의존하지 말고 작가 자신과 그의 신체의 "언어"의 연관성에 의존해야 합니다(R Goodman)^

즉, 고집스럽게 선형적인 해석을 해서는 안 됩니다.

저는 미술치료 분야에 참여하고 싶습니다. R. 굿맨은 경고한다

"1) "요리책 기술"의 활용_in-

드로잉의 에이지오스틱스는 관찰의 필요성을 주장합니다.

__^g'verbals:?오, 사람의 표정을 지을 수 있어요-

말하기 전략을 개발하고 단어를 올바르게 선택하십시오.

그들을 부차적인 것으로 취급하십시오.

말한 내용은 M. M. Bakhtin의 신념과 일치합니다. 그에 따르면 내면의 사람을 마스터하고 보고 이해하는 것이 불가능하므로 그를 무관심한 중립 분석의 대상으로 만듭니다. 다가가서 열면 됩니다 -

보다 정확하게는 대화를 통해 의사 소통을 통해서만 마음을 열도록 강요하는 것입니다.

그림의 작가가 산간 지역에서 자란 “불안, 개인적인 문제, 두려움” 등 무엇이든.

또 다른 예는 태양을 부모의 상징으로 해석하는 것입니다. R. Goodman은 태양이 하늘을 “다스리고” 모든 사람에게 빛과 따뜻함을 주며 신의 개념과 연관되어 있기 때문에 권위와 연관되어야 한다고 생각합니까? 아니다

이는 이미지에 대한 그러한 해석이 올바르지 않다는 것을 의미합니다. 그것들은 항상 사실이 아닙니다. 그리고 설령 사실이라 하더라도 이를 어떻게든 검증할 수 있을까요? “일반적인 결론을 내림으로써 우리는 객관성을 추구하며 아마도 제작자가 이미지에 넣은 내용을 무시할 수도 있습니다. 따라서 상징과 그것이 상징하는 것 사이의 연결이 끊어집니다. 불행하게도 기호 사전을 무분별하게 사용함으로써 우리는 우리 활동의 기초를 배반하는 것입니다. 우리는 항상 뒤를 돌아보고, 가치 판단을 내릴 때 이미지의 더 깊은 의미를 보려고 노력해야 합니다. 이 이미지가 불러일으키는 다양한 연관성을 고려해야만 보다 정확한 해석을 할 수 있습니다.”

G. Fers에 따르면 지원 요소를 순차적으로 배열하는 것은 매우 어렵습니다. 이에 대한 기성 레시피나 방법은 없습니다.

또한 피험자는 학습 과정에서 습득한 지식, 시각적 패턴 및 그리기 기술의 결과로 인지적 이미지를 투사할 수 있습니다. 예를 들어, 아이들은 나무 줄기가 갈색인 경우가 가장 많고, 잎사귀는 녹색, 하늘은 파란색, 태양은 노란색이라는 것을 알고 그에 따라 묘사합니다. 그들은 그림을 대신하여 이야기를 내놓을 때 "이 나무는 나야"라고 말한 다음 자연사 교과서에서 다시 이야기하는 것으로 쉽게 전환합니다.

어린이의 작업을 검토할 때 가장 흔히 저지르는 실수 중 하나는 성인과 함께 작업할 때 일반적으로 사용되는 것과 동일한 해석 접근 방식을 사용하는 것입니다. M. Hagood이 강조했듯이 이론적 원리에 기초한 우리 자신의 예측과 정신 분석적 설명은 성인의 정신과 관련이 있으며 어린이와 함께 일할 때는 거의 적합하지 않습니다.

한계 3. 따라서 아동기 시각예술의 특수성은 미술치료진단 방법의 유사형 경계이다.

위의 맥락에서 우리는 그림에 반영된 객관적인 패턴과 어린이 창의력 발달 단계뿐만 아니라 어린이의 주관적인 성장 및 발달 과정이라는 두 가지 측면을 강조 할 것입니다. 즉, 심리학자는 아직 형성되지 않았고 제대로 통합되지 않은 구조, 미성숙한 성격과 상호 작용합니다.

그럼에도 불구하고 주요 개별 유형적 경향에 대한 연구를 기반으로 하고 검사 대상 아동의 적응(또는 부적응) 정도를 식별하는 일반적인 지침이 알려져 있습니다(L.N. Sobchik).

(자세한 내용은 『어린이의 훌륭한 창의성: 미술치료진단의 특징』을 참조하세요.)

제한 사항 4. 모든 연령층에 공통적으로 적용됩니다. 이는 엄격한 표준화의 부족, 미술 치료 진단의 경험적 접근 방식의 우세, 그에 따른 주관적 성격, 준비 수준에 대한 의존성, 직관 및 심리학자(미술 치료사)의 개인적인 경험으로 인해 발생합니다. 이러한 방식으로 얻은 데이터는 본질적으로 설명적이므로 측정하기 어렵고 통계적으로 객관적이고 신뢰할 수 있으며 신뢰할 수 있는 결과의 일관된 시스템 형태로 제시됩니다.

많은 전문가에 따르면 전체 정량적 연구는 대상의 비전을 왜곡하고 측정할 수 있는 부분만 강조하기 때문에 보편적이지 않습니다. 시각적 제품에 대한 고품질 해석은 개인과 개인 간의 패턴의 깊은 기초를 확인하고 '일반화 및 개별화'의 위험을 줄이는 데 도움이 됩니다.

S. McNpff에 따르면, 전문가들은 너무 오랫동안 고객의 창의적 활동의 결과물에 관심을 집중해 왔습니다. 그리고 예술의 치유 잠재력을 이해하는 열쇠는 인간의 창의적 잠재력을 실현하는 데 있습니다.

미술 치료의 목적은 결점이나 장애를 제거하는 것이 아니라고 V. Becker-Glosch는 강조합니다. 오히려 그것은 개인의 장점에 부응하고, 또한 개인의 온전함을 회복하고 내적 지원을 한다는 놀라운 특성을 가지고 있습니다. 이러한 맥락에서 F. Nietzsche의 입장은 흥미롭습니다. 그에게 있어 건강은 건강을 의미하지 않았습니다. 질병으로부터의 해방, 그러나 그것에 대처하는 사람의 능력은 대처하며 시각적 창의성 과정에서 실현되는 것은 바로 이 능력입니다.

따라서 예술치료진단은 자급자족적 방법이라고 볼 수 없으며, 따라서 과학 연구에서 보조적인 역할을 합니다. 그러나 다른 질적 방법과 결합하여 연구 중인 현상에 대한 현상학적 그림을 최대한 완전하고 주의 깊게 제시하고 이에 대한 깊고 개별화된 이해를 제공하는 것이 예술 치료 상호작용입니다.

현상학의 관점에서 볼 때, 고객의 창의적인 제품은 고객 성격의 일부인 내부 경험의 표현으로 간주됩니다. M. Betenski의 관찰에 따르면, 이 방법은 처음에는 예술가의 역할을 한 다음 관찰자가 되고 시간이 지남에 따라 치료 과정에서 자신을 개인으로 인식하는 사람에게 자신감을 불러일으킵니다. 이 느낌은 체계적인 자기 표현과 내면 경험에 대한 개방성을 통해 커집니다.

예술 치료 진단은 또한 감정과 직관에 의존하는 해석학적 방법의 맥락에서 합법적으로 고려될 수 있습니다. 이는 기호-상징적 표현을 갖는 주체의 특정 행위의 내적 논리와 의미를 재구성하려는 의도이다. 사람의 외부 표현 뒤에 숨겨진 주관적인 의미, 가치, 관계, 경험 및 기타 인도주의적 실체를 보는 것이 가능하다는 것을 이해하는 데 도움이 됩니다. 이러한 독특한 기회는 예술에 의해 제공됩니다

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치료자는 시각적 제작을 통해 내담자와 언어적, 비언어적 의사소통을 하는 과정에 있습니다.

심리치료사 V. Oaklander의 작품에는 R. Goodman의 평가인 "황금률"에서 시각 자료에 대한 미술 치료 논의의 본질을 반영하는 간단한 지침이 포함되어 있습니다.

"*~""고객이 원하는 방식으로 자신의 작업에 대해 이야기하게 하세요.

그림의 특정 부분에 대해 의견을 묻고, 의미를 명확히 하고, 정의를 설명하도록 요청하세요.

~ 분할된 모양, 개체 또는 문자. 이는 작업 내용에 대해 성급한 가정을 피하는 데 도움이 됩니다.

고객에게 가급적 각 이미지 요소에 대해 1인칭으로 ​​작품을 설명하도록 요청하세요. 클라이언트는 해당 부분이 문자인지, 기하학적 모양인지, 개체인지에 관계없이 작품의 개별 부분 간에 대화를 구성할 수 있습니다. '자기 지향' 질문과 '객체 지향' 질문을 구별할 필요가 있습니다. 고객의 의견은 해당 항목의 외부 또는 내부 속성과 관련될 수 있습니다. 예를 들어 고객이 점토로 식품을 조각했다면 아침 식사로 무엇을 먹었는지 물어볼 수 있습니다.

"그는 어머니가 좋아하는 대부분의 요리를 무엇을 좋아합니까? 첫 번째 질문은 "객체 지향"에 가깝고 두 번째 질문은 더 많은 것입니다.

""자기 지향적*인 미술 치료사는 특정 문제를 선택할 때 먼저 토론이 어느 수준에서 수행되어야 하는지 결정해야 합니다. 내담자가 이미지의 이 부분 또는 저 부분이 무엇을 의미하는지 모르는 경우 미술 치료사는 다음을 수행할 수 있습니다. 설명을 제공하지만 이 설명이 그에게 얼마나 사실인지 고객에게 물어봐야 합니다. 말한 내용에 대한 태도는 언어적, 비언어적 반응으로 확인됩니다._

얌. 설명이 아무런 반응을 불러일으키지 않으면 이것이 실수 때문인지 고려해 볼 가치가 있습니다.

“이러한 해석은 의뢰인의 준비 부족으로 인한 것입니다.

고객이 색상에 집중하도록 격려하십시오. 그들은 그에게 무엇을 말하고 있습니까? 색상에 집중함으로써 그는 무언가를 인식할 수 있습니다. 색상은 다른 시간에 다른 방식으로 사용될 수 있다는 점을 고려해야 합니다. 어떤 경우에는 개체의 속성을 반영하고 다른 경우에는 이러한 개체에 대한 작가의 태도를 반영합니다.

내담자의 억양, 신체 위치, 얼굴 표정, 호흡 리듬의 특징을 기록해 보십시오. 이러한 관찰 내용을 추가 질문에 사용하거나 내담자의 긴장이 심한 경우 다른 주제로 전환하십시오. 예술적 과정은 뚜렷한 신체적, 정서적 반응과 연관되어 있으며, 이 모든 반응은 미술 치료사의 관찰 대상이 되어야 합니다. 클라이언트가 창의적인 작업에 대한 자신의 진술과 생활 상황 사이의 연관성을 이해하도록 돕고 그가 만든 시각 예술이 실제 생활에서 무엇을 어떻게 반영할 수 있는지 신중하게 질문합니다. 내담자가 해석을 통합할 수 있는 정도를 이해하는 것이 필요합니다. 귀하의 설명이 타당하더라도 저항을 유발할 수 있습니다. 그러나 귀하의 말이 맞고 고객이 아직 이를 받아들일 준비가 되지 않은 경우 이러한 설명으로 돌아갈 기회가 있다는 것을 기억하십시오.

이미지의 누락된 부분과 그림의 빈 공간에 특히 주의하세요. 상단 및 기타 부품이 없다고 해서 Symbolic_nag12uz를 표시할 필요는 전혀 없습니다. 쿠. 이미지에 "약칭"이 있을 수 있습니다.

"문자" 예를 들어 J. Bovers는 다음과 같이 언급합니다.

폭력을 당한 사람의 인체 묘사, 하체 부재

1, 나 나* 나-y. 와

[안피가: 그리고 그리고 리

어떤 경우에는 억압된 성욕을 말할 수도 있고, 다른 경우에는 T^yg.kyazhennoy 이미지~“나”를 말할 수도 있습니다.

때로는 이미지를 문자 그대로 받아들여야 하며, 때로는 묘사된 것과 반대되는 것을 찾아야 한다는 점을 기억하십시오. 특히 그러한 가정에 대한 이유가 있는 경우에는 더욱 그렇습니다. 특히 에디스 크레이머(Edith Kramer)의 작품에는 강한 자아와 자신감을 지닌 판타지 영웅을 묘사하는 어린이들의 사례가 가득하다. 동시에 그녀는 그러한 이미지가 이상적이고 비현실적인 이미지를 형성하려는 어린이들에 의해 만들어지는 경우가 많다고 지적합니다.

“한 번“나”는 그 결과 매번이 이상의 붕괴를 고통스럽게 경험합니다.

내담자에게 작품을 만드는 동안, 시작하기 전, 그리고 완성된 후에 어떤 느낌을 받았는지 이야기하도록 요청하세요. __

내담자에게 자신의 속도에 맞춰 일할 수 있는 기회와 자신이 알고 있는 지식을 제공하십시오.

"그가 묘사할 수 있는 것을 묘사하고 그가 탐험할 준비가 된 상태를 반영할 것입니다. 접근 방식의 지시 정도에 관계없이 우리는 고객에게 그림 과정과 그 결과에 대한 자제력을 느낄 수 있는 기회를 제공해야 합니다. .

고객의 작품에서 가장 일관된 주제와 이미지를 강조해보세요. 시간이 지남에 따라,

"의미론적 연결이 결정됨에 따라 많은 것이 더 명확해지고 그 안에서 "말할" 수 있습니다." 시간이 지남에 따라 내담자는 수행된 모든 작업의 ​​맥락에서 자신의 이미지에서 통일된 의미 라인을 볼 준비가 될 것입니다[15에서 인용].

따라서 현대 과학계에서는 가능성에 대한 반대 의견이 있습니다.

시각적 제품의 합리적인 해석. 일부 입장에 따르면 창의적 영감의 비합리적인 특성으로 인해 그림을 논리적으로 이해하고 "읽는" 것이 불가능합니다. 또 다른 관점에 따르면, 이미지에 포함된 '개인적 의미'와 경험은 '예술가' 자신과 작가가 작품을 이해하도록 도와주는 전문가(미술 치료사, 심리학자) 모두에 의해 해독되고 실현될 수 있습니다. 자신의 창의성의 내용과 상징.

이러한 아이디어는 일반적으로 예술 치료 진단의 잠재적 능력과 그 효과의 한계 측면에서 연구 개발의 주요 추세를 반영합니다.

동시에 전문가들은 미술치료 자체의 긍정적인 자원과 금기사항이 없다는 점에 동의합니다. 문화적 경험이나 예술적 능력에 관계없이 5세에서 6세 사이의 누구나 예술치료 과정에 참여할 수 있습니다. 이 기간 이전에는 상징적 활동이 여전히 형성되고 있으며 아이들은 표현의 재료와 방법만을 습득하고 있다고 믿어집니다. 미취학 아동의 시각적 활동은 장난스러운 실험의 틀 안에 남아 있으므로 미술 치료 활동은 완전히 효과적이지 않습니다.

반대로 청소년기와 청소년기는 미술 치료를 사용하기에 유리합니다. 표현력 있는 제품을 통한 의사소통은 언어적 의사소통보다 선호되는 경우가 많습니다. 이는 청소년이 자신의 경험을 시각적 이미지로 "숨기고" 성인(심리학자, 교사)과의 직접적인 접촉을 피하는 데 도움이 되기 때문입니다. 성인과 어린이는 자신의 정신내적 문제와 갈등을 인식하면서 점차 말로 표현하고, 극복하고, 해결하는 단계로 나아갈 수 있습니다.

어린이의 시각적 창의성(미술치료 및 진단의 특징)

아이들은 진실과 미덕이 아니라 작은 사람이나 개를 신뢰하는 기적을 얼마나 즐겁게 그립니다.

그리고 개는 분노하고 주황색이며 이빨에 녹색이 있습니다. "멍멍"! 그리고 무지개를 깨운 말은 여섯 개의 다리로 질주합니다.

어린이! 생각에서

나를 어리석은 자들과 구별시켜 주십시오. 나를 놔줘, 나를 놔줘

그림 속 그리고 좋은 세상에 정착했어요!

데이비드 사모일로프

개인의 심리적 특성을 연구하는 방법으로 어린이의 시각적 활동은 오랫동안 전문가의 관심을 끌었습니다. 해외에서 이 문제를 연구한 창시자들 중에는 F. Goodenough, G. Kershensteiner, A. Clark, E. H. Knudsen, S. Levinstein, M. Lindström, G. Lücke, K. Machover, J.와 같은 이름이 일반적으로 언급됩니다. 해외 Piaget, K. Stern, X. Eng et al.

국내 과학자들은 어린이의 시각적 창의력 문제의 다양한 측면을 연구했습니다. 그중에는 V. M. Bekhterev, Yu. N. Boldyreva, L. N. Bo-chernikova, L. A. Wenger, L. S. Vygotsky, O. I. Galkina, Z. V. Denisova, E. I Ignatiev, T. V. Labunskaya, V. S. Mukhina, E. S. Romanova, Yu. A. Poluyanov, N. P. Sakulina, S. S. Stepanov, D. N. Uznadze 및 기타.

확인된 특징과 패턴을 통해 우리는 어린이와 미술치료적 상호작용을 합리적이고 효과적으로 구축할 수 있습니다.

어린 시절은 생리적, 정신적 기능이 집중적으로 발달하는 기간입니다. K. D. Ushinsky는 “어린이는 일반적으로 형태, 색상, 소리, 감각을 통해 생각합니다”라고 말하면서 교사에게 어린이 사고의 이러한 특징에 의존할 것을 촉구했습니다.

환상의 작품은 시각적 이미지로 나타나며, 그 다음에는 말로 표현됩니다. 시각적 작업은 어린이에게 안전하고 자연스러운 활동이며, 어린이에게 “이동 공간” 역할을 합니다(R. Goodman, D. Johnson).

6세에서 10세 사이의 주요 새로운 형성은 자발적인 정신적 과정, 내부 행동 계획, 행동 반영입니다. 이 경우 그림은 신체와 정신을 개선하기 위한 프로그램을 구현하는 메커니즘 중 하나의 역할을 하며 반구 간 상호 작용의 일관성에도 기여합니다. 그림을 그리는 과정에서 주로 뇌의 오른쪽 반구의 작업과 관련된 구체적 비 유적 사고와 왼쪽 반구가 담당하는 추상적 논리적 사고가 조정됩니다 (V.S. Mukhina, D.N. Uznadze) . 따라서 많은 전문가들은 어린이 그림을 분석-종합 사고 유형 중 하나로 간주합니다. 그림을 통해 아이는 새로운 대상이나 생각을 형성하고 자신의 지식을 그래픽으로 형식화하고 객관적이고 사회적 세계와 관련된 패턴을 연구합니다 (A. A. Smirnov, S. S. Stepanov).

주변 환경에 대한 어린이의 인식은 단어와 연상의 축적보다 더 빠르게 발생합니다. 그림은 비록 말이 부족함에도 불구하고 그가 알고 경험한 것을 가장 쉽게 비유적으로 표현할 수 있는 기회를 제공합니다. 시각적 활동은 일종의 그래픽 연설과 유사합니다 (L. S. Vygotsky).

말은 이미지의 "기초"에서 발생합니다. 말로 설명할 때 때로는 특히 어린이의 경우 어려움이 발생합니다. 그러므로 강한 감정과 신념을 표현하고 명확하게 하는 유일한 기회는 비언어적 수단인 경우가 많습니다. “그림을 그릴 수는 있지만 말로 표현하는 방법을 모르겠습니다”(K. Rudestam).

S. Levinshtein, V. S. Mukhina 및 기타 연구자들은 어린이를 위한 그림은 예술이 아니라 연설임을 강조합니다. 그들은 그림을 그리고 싶어하는 경향이 있습니다. 이것은 실제 사물을 대신하여 예술적 상징을 사용하는 일종의 실험입니다. 그림을 통해 개인의 자기 표현 욕구가 실현됩니다. 아이에게 가장 자연스럽고 흥미롭고 즐거운 것은 자발적인 시각적 활동입니다. 특별한 의지와 지적인 노력이 필요하지 않으며 게임에 가깝기 때문에 불안감을 유발하지 않습니다.

아이들은 의사소통, 이미지 놀이, 즉흥 연주, 연극을 위해 예술적 자료를 사용할 수 있습니다. 그들은 단어의 표현 능력의 한계를 느끼는 것 같고, 이것이 아마도 그들을 성인보다 더 "완벽한" 생물로 만드는 것 같습니다(E. Bülow).

5세에서 10세 정도는 어린이 그림의 황금기라고도 불립니다.

교육의 첫 해는 아이의 성격 발달에 있어 가장 중요한 시기 중 하나입니다. 정신의 가장 어린 기능이 등장하고 있습니다 - 연설. 상황에 맞는 대화식 상황 연설이 형성되고 의사 소통이 개선됩니다. 따라서 여러 가지 이유로 의사 소통 활동, 감정 및 생각의 언어화에 어려움이 발생할 수 있는 것은 바로 어린 학생들입니다. 그러나 그들은 시각적, 조형적 표현, 그림을 통해 비언어적으로 "말"하는 것을 좋아합니다. K. Jung조차도 미술의 상징적 언어가 말보다 가장 적절하고 정확하며 광범위하다고 생각했습니다.

미술치료의 창시자 중 한 사람인 나움버그(M. Naumburg)의 작품 역시 무의식의 산물로서 가장 중요한 생각과 경험이 무엇보다 이미지의 형태로 나타난다는 점을 강조한다. 시각적 제품에 포착되면 인식, 이해 및 분석이 가능해집니다.

동시에, 시각적 제작의 개별 요소에 대한 진단 및 심리적 내용은 아이들과 함께 작업하는 실습에 기계적으로 적용되기 어렵습니다. 특히 E. S. Romanova의 연구에 따르면 표준화된 투영 드로잉 테스트의 예측 및 진단 가치는 고학년 미취학 아동과 초등학생을 대상으로 확립되었습니다.

어린이의 개념과 마찬가지로 어린이의 그림은 처음에는 일관성이 부족하고 산만 해지는 능력이 특징으로 열악합니다 (L. Švantsara, I. Švantsara). 그림과 연설은 학령기까지 도식적으로 남아 있습니다.

발달 과정에서 어린이 그림은 몇 가지 구체적이고 일반적인 단계를 거칩니다. 최초의 어린이 이미지의 기원에는 예술적 비전, 더 높은 형태의 환상, 직관, 창의적 상상력 (E. V. Ilyenkov)과 같은 가장 귀중한 인간 능력의 기원과 발전의 비밀이 있습니다.

서로 다른 문화의 환경에서 자란 아이들은 시각 활동에서 필연적으로 '얼룩짐', '두족류', '형태 없는 이미지', '도식적 이미지' 등의 단계를 거치는 것이 특징입니다. 전문가들은 아이들의 그림이 다음과 같이 지적합니다. 다른 나라 출신이지만 같은 나이의 놀라운 유사점. 시각적 제품의 전형적인 특징은 어린이가 그림을 그리는 과정에서 의존하는 시각-공간-운동 경험의 발달 단계를 명확하게 반영합니다. 특히 '예술가'는 프로를 인정하지 않는다.

방황하는 이미지에서는 정면이나 평면도만 그립니다.

6~7세가 되면 아이들은 새로운 유형의 패턴 배열을 발달시킵니다. 주요 특징은 이미지 배치의 대칭입니다. 아이들은 시트의 한계와 상호 연결된 부분(상단, 하단, 측면, 중앙)을 이해하고 고려하기 시작합니다. 그러나 아이는 구조적 구분을 따르는 것처럼 순차적으로 주의를 전환하면서 별도로 사용합니다. 작업은 가장 중요한, 일반적으로 큰 개체, 이벤트로 시트 중앙에서 시작한 다음 오른쪽이나 왼쪽으로 이동합니다(Yu.-A. ​​​​Poluyanov, L. Shvantsara, I. Shvantsara).

작은 초안가는 이미 언급했듯이 대상이 아니라 대상에 대한 일반화된 지식을 묘사하며 상징적 기호로만 개별 기능을 나타냅니다.

다음 단계인 그럴듯한 이미지의 단계는 점차적으로 계획을 포기하고 사물의 실제 모습을 재현하려는 시도가 특징입니다.

그러나 합병증에도 불구하고 어린이 그림에서는 세 가지 주요 특징이 계속 변경되지 않습니다 (3. V. Denisova, V. S. Mukhina, E. S. Romanova, O. F. Potemkina, S. S. Stepanov 등).

첫째, 이전과 마찬가지로 이미지는 물체의 윤곽만 나타내며 음영이나 명암은 없습니다.

둘째, 이미지의 비례성은 여전히 ​​존중되지 않습니다. 사람의 키가 근처 집의 크기를 초과할 수 있습니다.

셋째, 실제로 주어진 위치에서 볼 수 없는 물체의 부분에 대한 스케치가 보존됩니다. 어린이 그림의 가장 특징적인 특징은 투명성과 관련이 있습니다. 예를 들어, 그려진 사람의 주머니에는 지갑이 있고 그 안에 동전이 있을 수 있습니다(S.S. Stepanov).

자동차, 선박, 우주 위성의 이미지에는 실제로는 보이지 않는 메커니즘, 엔진, 가스 탱크, 연료, 전기 배선 등이 포함되는 경우가 많습니다.

이미지 지우기 및 수정과 같은 투영 그래픽 방법의 중요한 진단 지표는 7-8세 미만 어린이의 그림에도 적용되지 않습니다. 미취학 아동은 실수를 거의 수정하지 않습니다. 가장 일반적인 방법은 초기 그리기를 중단하고 다른 종이에 새 이미지로 이동하는 것입니다.

E. I. Ignatiev의 관찰에 따르면 그림을 개선하기 위해 어린이는 등고선을 수정하지 않고 이미 완료된 작업에 점점 더 많은 세부 정보를 추가합니다. 자유로운 흐름의 도면을 통해 빠르게 떠오르는 연관성을 쉽게 사용할 수 있습니다. 아이는 특정 작업을 수행하는 것보다 그림을 그리는 과정에 더 매료됩니다.

작품의 해석은 특히 어린이의 개인 능력과 정신 발달 수준의 차이가 크기 때문에 어려울 수 있습니다. 어린 나이의 상당한 예술성을 배경으로 자신의 경험을 구두로 표현하는 아동의 제한된 능력을 고려할 필요가 있습니다 (R. Goodman, V. Oaklandr).

따라서 어린이의 시각적 창의력 발달에 대한 일반적인 심리적 패턴은 투사 방법에서 일반적으로 허용되는 기준에 따라 해석이 비효율적 인 이유를 설득력있게 명확하게합니다.

VS Mukhina와 다른 과학자들에 따르면 투영 그림은 어린이의 정신 능력 수준이 아니라 테스트의 기초가 되는 활동의 형성 정도를 진단합니다. 즉, 특정 과목에서 얻은 높은 점수가 반드시 높은 지능의 지표로 간주될 수는 없습니다.

지력. 이는 학습 과정에서 배운 시각적 패턴이나 그리기 기술의 표현일 수 있습니다(V. S. Mukhina, Yu. A. Poluyanov, G. M. Fers, G. Schottenloer).

결과적으로 그래픽 특성의 정량적 처리 결과는 암시적이고 예비적인 것으로 간주되어야 하며 다른 방법에 의한 성격 연구 데이터와 비교하여 추가 검증이 필요합니다. 이는 초등학생 연령과 관련된 투영 드로잉 테스트의 타당성과 신뢰성이 부족하다는 광범위한 의견을 확인시켜줍니다.

따라서 시각적 창의력 발달의 일반적인 패턴에도 불구하고 각 어린이의 그림은 어린이의 개별 심리적 특성에 대한 아이디어를 얻을 수 있는 구체적이고 순전히 개별적인 특징으로 구별됩니다.

I. Sibgatullina와 동료들은 어린이의 건강 진단 및 평가에 그림을 사용한 자신의 경험을 요약하여 두 가지 측면을 지적합니다.

어린이 그림에는 진단 및 치료 기능이 있으며 그림 자체는 어린이 발달에 있어 신체적, 정신적, 정서적 특성의 내부 상태의 균형을 맞추는 특별한 기술로 간주될 수 있으며, 이 과정에서 "리더"는 어린이 자신입니다.

어린이의 그림에는 어린이의 건강 상태에 대한 특별한 정보가 담겨 있습니다. 그림의 포괄적인 측면 분석은 건강 상태를 평가하는 것뿐만 아니라 적절한 치유 방법, 심리 ​​치료 절차, 심리 교정 및 사회 치료를 선택하는 데에도 유용합니다.

이러한 조항은 그림이 일종의 예술이라는 L. S. Vygotsky의 결론과 일치합니다.

개인의 발달과 개인 신체 시스템의 형성에 관한 이야기입니다.

그리기, 그리기, 모델링은 글쓰기와 관련된 활동으로 손에서 새로운 뇌 기관을 만듭니다. 이는 특히 정확하고 비유적인 언어 및 말하기 도구입니다 (V.V. Klimenko). 더욱이 그림은 발달을 촉진할 뿐만 아니라 시각, 운동 조정, 말하기, 사고 등 가장 중요한 기능을 연결합니다(L. S. Vygotsky).

D. N. Uznadze의 개념에 따르면 아이는 원본을 자세히 보지 않고 자연없이 그림을 그립니다. 즉, 그는 자신이 직접 인식한 것이 아니라 자신이 염두에 두고 있는 것을 그린다는 의미이다. 그리고 지각과 표현은 동일한 성격, 즉 사물의 시각적 이미지를 가지고 있지만 실제로 어린이는 다른 것을 그립니다. 그리고 이건 어른이 그리는 게 아닙니다. 그림의 형태는 이미지의 "정확성"이 증가하는 것이 아니라 단순한 모델에서 더 복잡한 모델로 유기적으로 발전합니다.

그림은 그 안에 묘사된 내용에 대한 일종의 이야기이며, 본질적으로 언어적 이야기와 다르지 않습니다. 사실 이것은 비유적인 형식으로 쓰여진 이야기이므로 읽을 수 있어야합니다.

또한 A. N. Leontyev가 쓴 것처럼 "이미지의 세계", 개인의 감각적 인상 및 사람이 살고 행동하는 전체적인 "세계의 이미지"의 차이가 근본적이되었습니다.

한편으로는 해당 이미지에 감정이 포함되고, 다른 한편으로는 상상 자체가 감정에 영향을 미친다(L. S. Vygotsky).

따라서 심리학자는 예술적 창의성을 통해 어린이의 긍정적인 태도를 장려하는 동시에 치료적 그림을 사용하여 다양한 감정을 모델링할 수 있습니다.

적절한 기술, 방법 및 작업 기술과 결합하여 그리기 활동의 특징, 패턴 및 심리적 메커니즘을 이해하는 것은 가장 효과적이고 올바른 것 중 하나입니다.

가자이야. z o cha-saz,

이호인과 그 gnahs

모든 사람이 접근할 수 있는 비언어적 의사소통으로 전환하는 방법.

그림의 비밀 의미에 더 가까워진다는 것은 사람의 내면 세계, 그의 진정한 감정, 경험, 문제를 이해하는 데 더 가까워진다는 것을 의미합니다.

그러나 Paul Brutsche 박사에 따르면 해석 결과는 결코 분석의 도식적 요약이 아닙니다. 오히려 그림의 창의적 잠재력에 대한 지혜에 대한 충격입니다.

미술치료 기법의 진단 가능성 미술치료 기법 “나는 누구인가?” 진단의 맥락에서

자기 탐구 과정이 개인에게 중요해짐에 따라 개별 형태의 창의성에 대한 관심이 증가합니다. 이미지는 의식에 숨겨진 내면 세계의 "비밀"을 집중하고 깨닫게 만듭니다.

예술 치료 진단은 참가자들에 의해 평가 절차로 인식되지 않으므로 공식적인 의사 소통 상황에서 의도적으로 숨겨진 성격 특성을 드러내는 경우가 많습니다.

개인 정체성 연구를 목표로 하는 표준화된 방법 중에서 가장 널리 사용되는 방법은 M. Kuhn의 테스트와 T. McPartland의 테스트입니다. 이를 통해 업데이트된 자기 식별을 식별하고 심리사회적 자기 정체성의 전체적인 형성에 이를 포함시킬 수 있습니다. 피험자들은 “나는 누구인가?”라는 질문에 최소한 10개의 대답을 하도록 요청받습니다. 성숙한 정체성을 특징짓는 우선순위 상태 범주에는 "행성", "보편적", "시민", "민족", "그룹" 등이 포함됩니다.

미술 치료 작업의 맥락에서 "나는 누구인가?"라는 주제에 대한 자발적인 그림과 함께 이 테스트를 사용하는 것이 논리적입니다. 이 연구원은-

이 기술은 시간이 많이 걸리지 않으며 고품질 해석을 위한 광범위한 자료를 제공합니다. 또한 그림 그리기는 본인이 직접 주도하고 통제함으로써 인격의 온전함을 강화하는 데 도움이 됩니다. 자발적인 창의적 그림에는 성찰과 함께 사회적 현실의 모델링도 있습니다. 미술치료의 유기적 구성요소인 미술 활동은 ​​의사소통과 사회적 레퍼토리를 풍부하게 하고, 개인의 내적 잠재력을 실현하는 데 도움을 주며, 이는 미래의 긍정적인 성격 변화의 기초를 형성합니다.

따라서 연구에 참여한 각 참가자는 자아의 이미지를 그리고 초상화에 이름을 지정하도록 요청받습니다. 그림의 모양과 실행 품질은 자신에 대해 중요한 것을 알려주는 데 도움이 되는 상징적 의미보다 훨씬 덜 중요하다는 점을 강조해야 합니다. 결과적으로 "나는 누구인가?"라는 과제를 완료하는 방법에는 두 가지가 있습니다. 개인의 정신생활의 의식적 측면과 무의식적 측면의 상호작용을 반영하는 언어적, 비언어적 특성을 비교할 수 있습니다.

특히 저자의 관찰에 따르면 1학년 학생들의 사회적 자아의 가장 일반적인 특징(최대 39%)은 학생, 우수 학생, 메달리스트, 좋은 친구, 딸, 미래의 교사, 약혼자, 아내, 운동선수입니다. , 등.

2학년 학생 중에는 이러한 특성이 덜 일반적입니다(최대 21%). 이것은 아마도 외부 동기의 중요성이 약화되고 자신의 성격 상태에 대한 가치관의 변화로 설명됩니다.

그 다음으로 가장 흔한 특징(최대 28%)은 반성적 자아의 특징입니다. 흥미로운 사람, 성격, 똑똑한 소녀, 사랑하는 사람, 친구, '친절 그 자체', 신데렐라, '불쌍한 리사', ' 알파벳 마지막 글자', 사기꾼, 적 등

신체적 자아의 특성 비율은 1학년 학생들 사이에서 높습니다(최대 21%). 패션모델, 미인, 뚱뚱함, 못생김, '눈 먼 암탉', '안다리', '코', 잠꾸러기 등

주로 부정적인 특성이 우세하며 이는 젊은이들이 외부 데이터에 "고착"되어 있다는 잘 알려진 사실을 확인시켜줍니다.

1학년 학생들은 기쁨, 흐름, 우주의 조각, 생명의 아침, 신비, 온화한 영혼, 구름 등 자신과 관련된 영적 자아의 특성을 거의 사용하지 않습니다(최대 12%).

위의 이미지 외에도 다음과 같은 이미지가 있습니다.

고정관념적 특성: 황소자리, 처녀자리, 염소자리;

개인 발표 수준에서는 국적, 종교를 나타내는 특성;

물체, 동물과 동일시하거나 이를 일반 명사로 사용: 걸레, 참나무, 나무, 개, 코끼리, 곰, 성가신 파리, 원숭이, 이상한 사람, 꽃, 장미.

또한, 두 방법 모두 언어적 자기표현 분석 결과, 지표들 간에는 통계적으로 유의미한 차이가 발견되지 않았다.

동시에 그래픽 이미지는 말보다 더 정확하게 현실에 가까워집니다. 그림은 작가의 심리적 방어를 제거하고, 많은 숨겨진 의미를 명확히 하고, 무의식을 포함한 자신에 대한 태도를 재현하고, 낮은 자존감, 자기 아이러니, 자기애 등을 보여주는 것 같습니다.

예를 들어 5학년 Masha(그림 3, p. 56)와 Ksenia(그림 4, p. 56)의 작품을 참고할 수 있습니다.*

L. Lebedeva, O. Lebedeva "The Lost World"의 기사. - 학교 심리학자. 2002년 10호.

마샤는 생각하지 않고 그림을 그리기 시작했습니다. 그녀는 대부분의 반 친구들처럼 “무엇을 그려야 하지?”, “이것을 그릴 수 있을까?”라는 질문을 하지 않았습니다. 그녀는 침착하게 일했고, 심지어 어떻게든 물러나고, 분리되어 다른 사람들에게 주의를 기울이지 않았습니다(교실 환경의 상황에서는 일반적이지 않습니다).

마샤는 10살입니다. 그녀는 회전하는 팽이와 같습니다. Fidgety는 종종 "불평"하며 무언가에 불만족합니다. 동시에 그녀는 일반적으로 소녀가 매우 친절하고 동정심이 많지만 재미있는 얼굴을 만들고 입술을 삐죽입니다. 그녀는 수업 시간에 적극적입니다. 그녀는 대답하려고 노력하고 이사회에가는 것을 좋아합니다. 그는 고르지 않게 공부하고(5세, 4세, 때로는 C를 받음) 음악 학교에 다닙니다.

vc-의 탈라 vdaya

그녀의 그림 "나는 누구인가?"도 똑같이 다양합니다. 소녀는 우아한 드레스를 입고 고양이 머리를 한 천사의 모습을 그렸습니다. 태양은 소심하게, 그리고 거의 눈에 띄지 않게 이 캐릭터 위로 스쳐갑니다.

시트 뒷면에 Masha는 다음과 같이 썼습니다.

1) 나는 초원에서 자라는 풀입니다.

2) 저는 루빅스 큐브인데 풀기가 매우 어렵습니다.

3) 나는 투명한 얇은 명주 그물입니다.

4) 나는 데이트 상대입니다.

5) 나는 달콤하지만 작습니다.

6) 나는 가시가 있는 장미이다.

7) 나는 베고니아입니다.

8) 나는 쉽게 끊어지는 머리카락이다.

9) 나는 절벽이다.

10) 나는 공기입니다.

크세니아는 11세입니다. 그녀는 조용하고 착한 아이(그들은 "올바른" 아이들에 대해 말합니다), 단정하고 공부에서 지속적으로 성공했으며 대부분 5학년입니다. 겉으로는 그녀가 다소 쾌활한 소녀라는 사실에도 불구하고 그녀는 일종의 그녀의 눈에는 슬픔이 담겨 있습니다.

크슈샤는 카드로 점을 치는 소녀를 그렸습니다. 기안자 자신이 너무 작은 미니어처 소녀라는 사실에도 불구하고 Me의 이미지에서 그녀는 통통한 성인으로 밝혀졌습니다. 도면은 시트의 왼쪽 절반에 위치하며 빈 오른쪽은 선으로 구분됩니다. Ksenia는 마커와 연필을 모두 제공 받았지만 그림 색칠을 거부했습니다. 그녀는 작품을 넘겨줄 때 “고양이를 그렸어야 했는데, 내가 고양이처럼 생겼구나”라고 의심했고, 마샤의 그림을 보고 “그래, 천사를 더 잘 그려야 했는데”라고 말했다. 그림 뒷면에는 이렇게 적혀 있었습니다.

1) 저는 여자예요.

2) 저는 학생입니다.

3) 나는 작습니다.

4) 나는 똑똑하다.

5) 나는 정말 대단해요.

6) 나는 온화하다.

7) 나는 기분이 좋다.

8) 나는 장난 꾸러기입니다.

9) 나는 도박꾼입니다.

10) 나는 나의 사랑하는 사람입니다.

언어적, 비언어적 자기 표현을 비교해 보면 작은 예술가들의 숨겨진 열망과 충족되지 않은 요구, 학교 틀에서 길을 잃은 그들의 내면 세계가 너무나 놀랍고 다각적이라는 것을 알아차리는 것은 어렵지 않습니다.

제시된 기술은 자기 탐구에 대한 관심을 높일 뿐만 아니라 본질적으로 깊은 치료 효과도 있다는 점에 주목하고 싶습니다. 결국 파괴적이든 창의적이든 자신의 내부 프로세스를 이해하고 경험의 출처와 특성에 대한 인식은 궁극적으로 자신감과 긍정적인 삶의 관점을 만들어냅니다.

미술치료기법

<나무에서 사과를 따는 남자>

진단의 맥락에서

높은 확률로 대부분의 사람들은 나무에서 사과를 따는 실제 경험을 가지고 있거나 적어도 이 과정에 대한 시각적 이미지를 마음 속에 갖고 있다고 가정할 수 있습니다. 이 사실은 미술 치료사 Linda Gantt와 Carmel-lo Tabon이 개발한 그래픽 투영 기술의 기초를 형성합니다.*

러시아 수정본은 A. I. Kopytin, E. Svistovskaya의 연구에 제시되어 있습니다.**

* Gantt L. & Tabone S. 형식 요소 미술 치료 척도.

등급 매뉴얼. 가고일 프레스 Morgantown, WV. 1998. ** Svistovskaya E. 형식적인 예술 치료 척도

요소: 시범적인 상호문화 연구.

// 힐링 아트. Art-Terraction 매거진, 2호, 2000.

지침:

나무에서 사과를 따는 사람을 그려보세요. 재료:

A4 용지, 회색과 검정색을 포함한 12가지 색상의 펠트펜 또는 연필 세트.

일반적으로 이 투영 기법은 형식 요소의 선택된 예술 치료 척도의 맥락에서 이미지의 그래픽 특징을 분석하는 관점에서 고려됩니다.

질적 해석의 차원으로 초점을 옮겨 보겠습니다. 결국, 아시다시피 "...일반화와 형식화는 천재성과 평범함 사이의 경계를 모호하게 만듭니다"(M. M. Bakhtin).

작업에 대한 지침은 피험자에게 높은 수준의 자유도를 부여하고 자신의 요청에 따라 제안된 상황을 시뮬레이션할 수 있도록 합니다. 이는 문제와 해결의 난이도가 본질적으로 작가 자신에 의해 설정된다는 것을 의미한다. 예를 들어, 적절한 높이의 나무, 그 위에 충분한 수의 사과가 있고 문제의 기본 해결에 필요한만큼 낮게 자라는 나무와 적절한 키의 사람을 상상하고 그릴 수 있습니다.

그러나 대부분의 주제(어린이와 성인 모두)는 나무에서 사과를 따는 사람뿐만 아니라 작업을 완료하기 위해 상당한 어려움을 극복해야 하는 극도로 어려운 상황에 처한 사람을 묘사합니다. 따라서 묘사된 대상이 온 힘을 다해 "발끝으로" 서서 사과를 향해 손을 뻗거나 나무를 흔드는 그림이 자주 등장합니다. 막대기로 과일을 쓰러뜨린다. 계단으로 올라간다. 트렁크에 올라간다. 심지어 산봉우리를 정복했는데 결과는 시청자에게 알려지지 않았습니다.

피험자가 상황을 문제가 있거나 해결하기 어렵거나 완전히 해결할 수 없는 것으로 모델링하도록 유도하는 것은 무엇입니까? 목표를 달성하기 위해 소비되는 상상의 노력의 양을 결정하는 것은 무엇입니까?

종이에 그림을 그리는 것은 내부 세계와 외부 세계의 접촉 경계에 대한 작업을 나타내는 것으로 여겨집니다(G. Schottenloher). 동시에 '예술가'는 상징성이 풍부한 종이 시각적 이미지에 자발적으로 투사합니다.

상징은 일반적으로 다양한 심리적 현실의 기호나 이미지로 간주됩니다.

사과의 신화적 상징은 잘 알려져 있다.

성서 신화에서 유혹하는 뱀은 하와를 유혹하여 선악을 알게 하는 나무의 금지된 열매인 사과를 먹게 했습니다.

불화의 여신 에리스는 '가장 아름다운 신에게'라는 문구가 새겨진 황금사과를 손님들에게 던졌고, 아프로디테는 이를 두고 아테나와 헤라와 논쟁을 벌였다. 그래서 다툼의 원인이나 대상을 비유적으로 불화의 뼈라고 부른다.

"은쟁반 위의 사과..."라는 표현도 마찬가지로 비유적입니다.

역동적인 상징의 맥락에서 사과를 따는 것은 사람이 자신의 정신적 "해방"이라는 목표를 향해 나아갈 수 있는 능력을 나타내는 행동을 나타냅니다.

의심할 바 없이 '사과를 따는 남자'의 각 이미지는 매우 개별적입니다. 동시에 다음과 같은 근거로 다양한 도면을 공식적으로 체계화할 수 있습니다.

“이러한 물체 이미지의 완전성 또는 단편화;

2) 행동 방법에 따라 (설명되는 내용 : 행동 준비, 행동 자체 또는 최종 결과?)

3) 결과에 따라(목표를 달성하기 위해 그 사람이 어떤 노력을 했는지, 결과는 얼마나 성공적이었습니까? 사과를 따았습니까?)

일러스트레이션

열 살 소녀인 그림의 작가는 거대한 분홍색 사과와 녹색 잎이 달린 단편적인 가지를 묘사했습니다. 나이와 성별을 알 수 없는 보이지 않는 사람의 손가락이 이 사과에 거의 닿지 않습니다(그림 5).

비슷한 이야기가 성인에게도 발생합니다.

두 번째 유형의 이미지에는 다음 그림이 포함됩니다. 그림에서. 6 탐나는 열매를 얻기 위해 등반가가 얼마나 엄청난 노력을 기울여야 하는지는 쉽게 알 수 있습니다. (작가는 20세 학생입니다.) 게다가 10세 소년의 작품처럼 행위(사람이 사과를 향해 손을 뻗는다)만 표시되어 최종 결과는 알 수 없습니다( 그림 7).

반대로 세 번째 유형의 그림에는 목표 달성 방법에 대한 정보가 포함되어 있지 않습니다. 시청자는 손에 사과, 바구니 등 결과만 볼 수 있습니다(그림 8,9).

제시된 그림의 특징과 상징성에 주목합시다. 지점 이미지

일부 연구자들에 따르면 나무 대신에 유아기와 물체의 크기가 너무 크다는 것을 나타내는 것으로 추정됩니다. 즉 내면의 느슨함과 자유에 관한 것입니다.

B. E. Egorov와 E. S. Romanova는 이러한 표시를 다르게 해석합니다. 그들에 따르면, 익어가는 열매는 '작가'의 인격이 익어가는 문제이다. 묘사된 과일의 수는 현재 해결 중인 문제의 수와 동일하며, 떨어진 사과는 이미 해결된 문제를 나타냅니다.

Koch에 따르면 나무에 사과가 있다는 것은 죄책감을 의미합니다.

시각화된 사과가 어떻게 보이는지 주의를 기울이는 것이 중요합니다. 잘 익은 것, 즙이 많은 것, 녹색인 것, 주름진 것; 신맛이 나거나 달콤함; 맛있거나 야생?

사람이 땅에서 종종 벌레가 있거나 썩은 사과를 집어 들고 심지어 그런 사과를 먹는 그림이 있습니다 (그림 9 참조). 특별한 경우는 가상의 사람이 떨어지거나 누군가가 딴 사과를 집어드는 경우입니다. 이러한 "표시"는 초안 작성자에게 심리적 고통의 인상을 남깁니다.

사과를 따는 사람의 역동적인 이미지는 소위 '어린이 상징'에 기인합니다. 이는 긍정적인 감정과 긍정적인 감정을 일깨울 수 있는 어린 시절의 인상입니다. 그중에는 휴일, 풍선, 퍼레이드, 불꽃놀이, 일몰의 강, 동요 또는 책...(Mauz)이 있습니다. 이러한 상징과 상징적 장면은 개인의 정신병 이전 상태를 다루고 있습니다. 그들은 현재 숨겨져 있거나 억압될 수 있는 성격의 정상적인 부분과의 연결을 설정하는 데 도움이 됩니다.

미술 치료 실습에서 "어린이 상징"을 사용하면 심리학자가 대상, 그룹과 가장 성공적으로 접촉하고 필요한 정서적 지원을 제공할 수 있습니다.

R. Assagioli에 따르면 시각화를 통해 기호를 사용하는 기술은 성격의 의식적 요소를 무의식적 요소와 통합하고 어느 정도 무의식적 비논리적 개인 표현과 논리적 사고를 통합하는 데 기여합니다. 그러나 이 방법은 의식적인 '나' 수준에서 매우 명확한 객관적 생각을 갖고 있고 무의식과의 연결이 약한 지나치게 외향적이고 경직되거나 지적인 피험자에게는 적용하기 어렵습니다. 그런 사람들은 상징을 좋아하지 않거나, 어떤 경우에도 상징은 그들에게 아무 말도 하지 않습니다.

일반적으로 "나무에서 사과를 따는 남자" 방법을 사용한 그림의 질적 분석은 특정 문체 유형의 의사 결정을 형성하는 주제 또는 전략의 특별한 조합에 따라 목표를 달성하는 지배적인 방법에 대한 아이디어를 제공합니다. 그리고 이는 결국 개인의 성취뿐만 아니라 사람들의 공동 활동 결과와 상호 작용의 효과를 결정합니다.

예술치료과정의 공간

미술치료의 기본 개념 중 하나인 공간의 개념은 일반적으로 두 가지 측면에서 고려된다.

첫째, 비언어적, 언어적 의사소통을 바탕으로 심리학자(미술치료사, 교사)와 미술치료 참여자 사이의 상호작용 과정에서 형성되는 분위기이다. 일반적인 정서적 배경은 미술치료관계의 특성에 따라 크게 결정된다.

둘째, 미술치료 과정이 이루어지는 곳으로 미술치료 참여자들의 창의적 활동의 시각적 수단과 재료, 산물이 저장되는 곳이다.

이는 미술치료실의 물리적인 상징적 공간을 말하며, 이는 D. Winnicott, K. Rogers의 용어로 “촉진하는 환경”, 즉 특별한 “치유” 상호작용 환경을 형성합니다.

미술치료실을 찾는 사람은 저마다의 방식으로 이용하면서 미술치료사(K. Case, T. Dulley)와 독특한 관계를 맺는다. 동시에, 특정 경계의 존재는 그와 다른 참가자 사이에 필요한 거리를 유지할 수 있는 기회를 제공합니다.

공간이 심리치료 관계에 참여하는 모든 사람에게 높은 수준의 내부 보안을 제공해야 한다는 것은 분명합니다. 결국 이것이 예술 치료 과정의 발전에 필요한 신뢰와 개방성의 수준을 결정하는 것입니다. 개인 공간의 상실이나 위협은 최소한 불쾌한 감정적 경험을 야기합니다.

학생이 끊임없이 자신의 자리를 차지하는 학교 교실은 개인 공간의 구성 요소를 형성합니다. 예를 들어 K. Blaga와 M. Shebek은 교사가 종종 이 사실을 고려하지 않고 목표에 따라 학생을 편입시킨다는 점에 주목합니다. 어른들은 교실 공간이 자기 소유인 것처럼 행동합니다. 그러나 아이는 책상 위의 장소를 개인적으로 중요하고 중요하다고 인식합니다. 그리고 주관적으로 나쁜 경우(다른 사람의 책상) 학생의 집중력이 저하되고 수동성과 주도권 부족이 발생하는 경우가 많습니다. 저자에 따르면 새로운 장소에서 그는 자동으로 새로운 공간을 "수용"하거나 "느끼는" 것과 같은 암시적 반응을 보입니다. 따라서 교사는 학생들을 옮길 때 아이들이 걱정하거나, 서로 이야기를 나누거나, 규율을 위반할 것이라고 예상해야 합니다.

따라서 학생과 교사 모두 자신의 능력과 연결을 발전시키기 위해 주변 세계의 어느 정도 불안정성이 필요합니다.

말한 내용은 모두 사실입니다.

2. 예술 치료 진단의 경계.

1. 예술치료진단의 특징.

훌륭한 창의적 활동은 미술치료에서 처음에는 비유적으로 말하면 “영혼을 치유”하기 위한 치료 과정으로 간주됩니다. 즉, 치료적 드로잉은 일반적으로 받아들여지는 의미의 진단 방법이 아닙니다. 이것은 자발적인 창의성의 과정에서 사람을 관찰하고, 그의 관심사, 가치를 이해하는 데 더 가까이 다가가고, 그의 내면 세계, 독창성 및 개인 정체성을 볼 수 있는 섬세하고 인도적인 기회입니다.

동시에 국내외 전문가들은 미술 치료 작업 참가자들의 창의적인 제품이 갖는 중요한 진단 잠재력을 강조하며, 이를 통해 개인의 내면적이고 깊은 경험을 표현하고 개인의 밝은 개성을 볼 수 있습니다.

때때로 미술 치료사 K. Welsby는 학생들의 특정 문제의 본질, 즉 신체적, 감각적, 인지적, 감정적 또는 행동적 요인과 관련이 있는지, 그리고 이러한 문제가 얼마나 심각한지를 이해하는 것이 매우 어려울 수 있다고 말합니다. 따라서, 내성적이고 조용한 소녀는 불순종하고 감정적으로 불균형한 소녀보다 더 심각한 문제를 안고 있을 수 있습니다.

1924년에 재능 있는 교사 V.N. 소로카-러시안(V.N. Soroka-Russian)은 이 아이나 저 아이가 어떤 결함 때문이 아니라 오히려 자신의 복잡성과 풍부함 때문에 어려워질 수 있다고 동료들을 설득했습니다. 자연.. 반면에 절제와 정확성... 항상 영적으로 가치 있는 것을 말하는 것은 아닙니다.

복잡하고 역동적이며 소성적인 형태로서의 성격은 구성 요소가 지속적으로 변화하는 경향이 특징입니다. 이러한 과정에 대한 연구는 의식과 무의식 영역을 포함하여 정신 활동의 다양한 특성에 영향을 미치기 때문에 항상 형식화할 수 있는 것은 아닙니다. 따라서 진단에는 적절한 체계적이고 비선형적인 절차를 사용해야 합니다.

미술치료에서는 진단과 치료 과정 자체가 흥미진진한 자발적인 창의성을 통해 동시에 발생합니다. 결과적으로, 진단 과정에 참여하는 당사자들 사이에 감정적이고 신뢰하며 의사소통적인 접촉을 구축하는 것이 더 쉽습니다.

이는 피험자가 전통적인 시험 상황이나 어린이와 함께 일하는 상황에서 발생하는 심각한 불안과 스트레스를 경험하는 경우 특히 중요합니다. 아이의 정신은 극도로 불안정하고 감정 영역도 극도로 불안정합니다. 어린 학생들은 시험에서 게임 요소를 보거나 직관적으로 정답을 찾으려고 노력하는 경우가 많습니다. 그들의 반응은 모방적일 수 있습니다. 아이들은 마음에서 우러나오는 선택을 하는 대신 자신만의 규칙을 가진 게임을 생각해 낼 수 있습니다(L. N. Sobchik).

치료 그림에서 진단 상황은 눈에 띄지 않으며 일반적으로 모든 연령의 참가자가 인식하지 못하며 방어적인 반응을 유발하지 않습니다.

주요 진단자료는 시각제품이다. 이는 어느 정도 미술 치료를 투사 드로잉 테스트에 더 가깝게 만듭니다. 일부 저자는 투사 미술 치료를 독립적인 다양성으로 구별하기도 합니다(E. M. Burno, S. Kratokhvil, A. A. Osipova 등).

다른 출판물에서는 미술 치료가 표현 투사 방법 그룹에 속하며 이는 그림의 진단 능력 측면에서 상당히 정당하다고 지적합니다. 그러나 미술치료는 확실히 더 깊은 현상이다.

그림에 대한 예술 치료적 해석은 그 자체로 목적이 아니며 형식 요소에 대한 정량적, 질적 분석으로 축소될 수는 없지만 의심할 여지 없이 그러한 작업의 기본이 존재합니다. 우선적인 형식 구성 요소는 선, 모양, 상호 연결된 역학의 색상뿐만 아니라 시각적 창의성 수단을 통한 상징적 표현의 기타 측면 및 방법입니다.

따라서 위의 진단 접근 방식에서는 명확성을 위해 표 형식으로 제시된 중요한 차이점을 쉽게 알 수 있습니다.

투영 그래픽 방법에서 전문가를 위한 그림 이미지는 진단 자료일 뿐입니다. 이 경우 형식 요소의 표준 척도가 사용됩니다.

그래픽 제품 작성자의 개인별 특성을 명확히하기 위해 그림의 구조적 (또는 형식적 구조적) 분할, 특징적인 세부 사항에 대한 정성 및 정량 분석 ​​및 해석이 수행됩니다.

예를 들어 디자인, 구성, 원근감, 비율, 선, 획, 조명의 특징이 모니터링됩니다(R. B. Khaikin). 이미지의 형식적인 문체 특징(M.E, Burno), 특정 매개변수의 발생 빈도 등이 고려됩니다.

요컨대, 이러한 수준의 도면 해석을 기술적 수준으로 정의하는 것이 논리적입니다.

투영 도면을 수행하면 연구자(심리학자)와 도면 후 조사 절차가 모두 필요하지 않습니다(예: 작업이 집에서 수행되는 경우). 그러나 이 경우 기술의 진단 가치가 크게 감소한다는 점에 유의해야 합니다.

미술치료 진단은 전문의가 없으면 불가능하다. 심리학자는 그림의 형식적 특징을 독립적으로 해석하는 대신 저자 자신의 의미 및 연관성 시스템에 의존하고 다양한 말하기 전략을 사용하며 얼굴 표정, 움직임, 비언어적 소리 표현 및 다른 반응.

그래픽 투영 테스트의 주제별 작업 수가 제한되어 있다는 점도 강조해야 합니다. 특히 고전적인 것에는 사람 그림 (F. Goodenough, D. Harris 테스트), "나무"(K. Koch), "집-나무-사람"(D. Book)이 포함됩니다. 가족 그림 (V. Wulf; V. Hules; R. K. Berne, S. K. Kaufman) 및 기타 일부.

반면 미술치료에서는 창의적 활동을 위한 다양한 주제가 제시된다. 그러나 진단 가치는 절대적이지 않습니다. 그림은 의미를 식별하기 위한 목적으로만 분석적으로 분석되지 않습니다. 내성적 인식은 완성된 작업의 외부 표시(R. Goodman, K. Rudestam, G. Fers 등)보다 더 유익한 것으로 간주됩니다.

또한 접수된 자료를 해석하는 과정에서 주관성, 진단 기대치의 투영, 전문가 자신의 경험이 큰 위험이 있습니다. G. Schottenloher는 "내 내면의 삶은 외부 세계에 대한 나의 인식을 방해하고 아마도 비자발적인 해석으로 아이를 그의 길에서 멀어지게 만듭니다. "라고 회상합니다.

다른 사람을 위한 비언어적 메시지로 간주될 수 있는 각 그래픽 이미지에는 특정한 개별적인 내용이 남아 있습니다. 그리고 E. S. Romanova, O. F. Potemkina에 따르면 방법론적 작업의 어려움은 저자에게 속한 것을 최대 대비로 강조하여 이미지의 규범적인 "비저자" 측면을 구성하는 것, 즉 이미지의 개요를 구성하는 것과 분리하는 것입니다. 객관적인 상황, 표준 작업의 영향, 메시지의 일반적인 의미 내용.

객관성의 왜곡 문제는 투영도면의 기초가 되는 심리적 투영의 원리와 어느 정도 관련이 있다. 투영은 모든 유형의 예술적, 과학적 창의성의 기초가 되며, 주제는 그의 무의식적이거나 숨겨진 요구, 복합체, 억압, 경험, 동기를 투영(반영, 표현)합니다. 더욱이 기본적 신뢰 수준이 낮은 사람들은 주로 우울한 경험을 자발적인 창의성의 산물에 투사하는 경향이 있습니다.

일반적으로 준비된 사람과 준비되지 않은 사람 모두 자신의 내부 상태를 시각적 형태로 투영할 수 있는 능력을 가지고 있습니다. 참여자들은 자신의 감정적 경험을 시각 예술을 통해 전달하면서 이를 말로 표현할 수 있게 되는 경우가 많습니다(M. Naumburg). 즉, 시각적 결과물은 작가 개인의 심리적 특성, 그의 태도, 성격, 자존감 등을 반영한 것이다.

모든 어린이의 그림은 개인의 내부 정신 상태와 관련하여 투사적입니다(K. Machover). 발달의 사회적 상황, 가족 상황, 정서적, 육체적 안녕 및 기타 유사한 요소의 특징은 예술적 이미지 구성, 구성, 색상 공간 사용, 상징주의 및 움직임의 성격에 영향을 미칩니다.

낙서조차도 진단 가능성이 높으며, 낙서의 구조를 통해 전달되는 개인의 자기 인식 및 사회적 성숙도를 나타내는 지표로 간주됩니다(E. Ullman, F. Kane). M. Betensky는 낙서가 진단을 위한 새로운 정보와 미술 치료를 위한 새로운 자원을 나타낸다는 결론을 내릴 수 있다고 강조합니다.

그래픽 방법은 사람에게 현실을 투영할 뿐만 아니라 자신의 방식으로 해석할 수 있는 기회를 제공합니다. 당연히 얻은 결과는 내면의 성격, 기분, 상태, 감정 및 특성의 각인을 크게 나타냅니다. 그렇기 때문에 시각적 제품의 내용을 이해하려는 전문가는 추측적인 아이디어와 자신의 투영이 아니라 작가 자신과 신체의 "언어"의 연관성에 초점을 맞춰야 합니다(R. Goodman).

즉, 미술치료에서는 직접적인 해석이 용납되어서는 안 됩니다. R. Goodman은 그림 진단에 "요리책 기술"을 사용하는 것에 대해 경고하고, 사람의 언어 표현을 관찰하고, 말하기 전략을 수립하고, 올바른 단어를 선택하고, 이를 부차적인 단어로 취급하지 않아야 한다고 주장합니다.

말한 내용은 M. M. Bakhtin의 신념과 일치합니다. 그에 따르면 내면의 사람을 마스터하고 보고 이해하는 것이 불가능하므로 그를 무관심한 중립 분석의 대상으로 만듭니다. 당신은 대화를 통해 의사소통을 통해서만 그에게 접근하여 그를 열 수 있습니다. 또는 오히려 그가 자신을 열도록 강요할 수 있습니다.

따라서 미술치료적 해석은 투영적 그래픽 방법과 달리 '예술가' 자신의 성찰을 바탕으로 한 언어적 피드백을 동반하여 내면 세계의 내용을 독립적으로 이해할 수 있도록 격려합니다. 우선 순위는 시각적 제품, 비언어적 행동 및 언어 표현에 대한 작가 자신의 연관성에 초점을 맞추는 것입니다.

미술 치료는 사람에게 시각적 과정에서 "증인"이자 "직접적인 참여자" 역할을 동시에 수행하고, 자신의 충격적인 경험을 반영하고, 그에 대한 정보를 감정 수준에서 인지 수준으로 "번역"할 수 있는 기회를 제공하는 것이 특징입니다. (R. 굿맨).

플라스틱 이미지는 특정 아이디어의 총체성을 반영하며 가장 경제적인 의사소통 도구입니다. 그림은 언어와 비교하여 묘사된 내용의 의미를 공개적이고 진심으로 전달합니다. C. Jung은 이러한 특징을 강조하면서 예술가를 “무의식의 대변자”라고 불렀습니다.

따라서 개인의 무의식적 반응이 가장 명확하게 표현되는 것은 치료 그림 과정에서이며, 이를 통해 예술 치료 진단의 깊고 투사적인 잠재력과 여러 면에서 상당한 이점에 대한 결론을 내릴 수 있습니다. 사례.

비유적으로 말하면, 그림을 해석할 때 "좋은 것과 나쁜 것"이라는 질문에 대한 답을 아는 것이 중요합니다.

2. 예술 치료 진단 방법의 경계

미술은 어린이와 성인 모두가 접근할 수 있는 매력적이고 흥미로운 활동이며 정신 진단적 잠재력이 높습니다.

그러므로, 수신된 정보가 객관성, 신뢰성, 정확성 및 신빙성의 기준을 충족할 실제 경계를 식별하기 위해 기술 치료 진단 방법의 현상학, 연구 자원 및 한계를 이해하는 것이 필요합니다.

제한사항 1.나이, 인종, 국적에 상관없이 모든 사람은 예외 없이 창의적 능력을 가지고 있다는 것이 일반적으로 받아들여지고 있습니다. 그러나 예술적 제품에 특정 문화적 태도가 반영된다는 객관적인 사실은 미술치료의 진단 잠재력의 한계 중 하나에 기인하는 것이 논리적입니다.

사람들은 특정 문화에 속해 있다는 그래픽 기호가 포함된 시각적 이미지를 통해 자신에 대한 생각을 전달합니다. 예를 들어, 멕시코인의 그림은 인물의 윤곽선이 굵은 것이 특징인 반면, 일본인의 그림은 여유 공간이 많습니다. 이 두 가지 예는 모두 시각적 표현과 문화적, 민족적 기반 및 전통 사이의 연관성을 보여줍니다.

이미지의 형식적 요소는 무의식적 과정을 특징짓는 기준으로 간주됩니다. 그러나 해석의 모호함과 모순성은 해당 분야의 치료 진단 방법의 또 다른 한계입니다. 요컨대, 시각적 데이터 분석 방법과 주관적 정보의 내용 분석 방법의 타당성 문제는 여전히 관련성이 있습니다.

제한사항 2.미술치료에서 분석의 범주는 예술적 자발적 창의성의 산물에 국한됩니다. 정형화된 면은 다음과 같은 절차로 표현된다. 도면의 구조적(또는 형식적 구조적) 분할이 수행됩니다. 분석 대상이 되는 특징이 선택됩니다(그림의 표준화된 그래픽 특성:

시트에서의 위치, 그림의 크기, 주요 색상, 음영 등). 피험자의 활동 산물에서 관찰 범주에 해당하는 기호(요소)의 발생 빈도가 기록되고 계산됩니다. 통계 분석 결과에 대한 의미 있는 해석이 수행됩니다. 그러나 이 경우 미묘한 “영혼의 문제”에 대한 이해가 왜곡되거나 상실될 수 있습니다.

많은 전문가들은 배타적으로 형식화된 진단과 해석이 무의미함을 강조합니다. 따라서 S. Kratochvil은 산봉우리가 어머니의 가슴 이미지와 연관될 수 있고, 불안, 개인적인 문제, 두려움을 나타내거나 단순히 그림 작가가 산간 지역에서 자랐다는 점을 아이러니하게 지적합니다.

또 다른 예는 태양을 부모의 상징으로 해석하는 것입니다. R. Goodman은 태양이 하늘을 “다스리고” 모든 사람에게 빛과 따뜻함을 주며 신의 개념과 연관되어 있기 때문에 권위와 연관되어야 한다고 생각합니까? 그렇다고 이미지에 대한 해석이 틀렸다는 의미는 아닙니다. 그것들은 항상 사실이 아닙니다. 그리고 설령 사실이라 하더라도 이를 어떻게든 검증할 수 있을까요? “일반적인 결론을 내림으로써 우리는 객관성을 추구하며 아마도 제작자가 이미지에 넣은 내용을 무시할 수도 있습니다. 따라서 상징과 그것이 상징하는 것 사이의 연결이 끊어집니다. 불행하게도 기호 사전을 무분별하게 사용함으로써 우리는 우리 활동의 기초를 배반하는 것입니다. 우리는 항상 뒤를 돌아보고, 가치 판단을 내릴 때 이미지의 더 깊은 의미를 보려고 노력해야 합니다. 이 이미지가 불러일으키는 다양한 연관성을 고려해야만 보다 정확한 해석을 할 수 있습니다.”

G. Fers에 따르면 지원 요소를 순차적으로 배열하는 것은 매우 어렵습니다. 이에 대한 기성 레시피나 방법은 없습니다.

또한 피험자는 학습 과정에서 습득한 지식, 시각적 패턴 및 그리기 기술의 결과로 인지적 이미지를 투사할 수 있습니다. 예를 들어, 아이들은 나무 줄기가 갈색인 경우가 가장 많고, 잎사귀는 녹색, 하늘은 파란색, 태양은 노란색이라는 것을 알고 그에 따라 묘사합니다. 그들은 그림을 대신하여 이야기를 내놓을 때 "이 나무는 나야"라고 말한 다음 자연사 교과서에서 다시 이야기하는 것으로 쉽게 전환합니다.

어린이의 작업을 검토할 때 가장 흔히 저지르는 실수 중 하나는 성인과 함께 작업할 때 일반적으로 사용되는 것과 동일한 해석 접근 방식을 사용하는 것입니다. M. Hagood이 강조했듯이, 이론적 입장에 기초한 우리 자신의 예측과 정신분석적 설명은 성인의 정신과 관련이 있으며 어린이와 함께 일할 때는 거의 적합하지 않습니다.

한계 3.따라서 어린 시절의 시각적 창의성의 특이성은 예술 치료 진단 방법의 일종의 경계이기도합니다.

위의 맥락에서 우리는 그림에 반영된 객관적인 패턴과 어린이 창의력 발달 단계뿐만 아니라 어린이의 주관적인 성장 및 발달 과정이라는 두 가지 측면을 강조 할 것입니다. 즉, 심리학자는 아직 형성되지 않았고 제대로 통합되지 않은 구조, 미성숙한 성격과 상호 작용합니다.

그럼에도 불구하고 주요 개별 유형적 경향에 대한 연구를 기반으로 하고 검사 대상 아동의 적응(또는 부적응) 정도를 식별하는 일반적인 지침이 알려져 있습니다(L.N. Sobchik).

제한사항 4.모든 연령대에 공통적이며 엄격한 표준화가 부족하고 미술 치료 진단에서 경험적 접근 방식이 우세하며 그에 따른 주관적 성격, 준비 수준에 대한 의존성, 직관 및 심리학자의 개인적 경험으로 인해 발생합니다. 미술치료사). 이러한 방식으로 얻은 데이터는 본질적으로 설명적이므로 측정하기 어렵고 통계적으로 객관적이고 신뢰할 수 있으며 신뢰할 수 있는 결과의 일관된 시스템 형태로 제시됩니다.

많은 전문가에 따르면 전체 정량적 연구는 대상의 비전을 왜곡하고 측정할 수 있는 부분만 강조하기 때문에 보편적이지 않습니다. 시각적 제품에 대한 고품질 해석은 개인의 성격 패턴의 깊은 기초를 파악하는 데 도움이 되며 "개성을 일반화"하는 위험을 줄여줍니다.

S. McNiff에 따르면 전문가들은 너무 오랫동안 고객의 창의적 활동의 결과물에 관심을 집중해 왔습니다. 그리고 예술의 치유 잠재력을 이해하는 열쇠는 인간의 창의적 잠재력을 실현하는 데 있습니다.

미술 치료의 목적은 정신적 결함이나 장애를 식별하는 것이 아니라고 V. Becker-Glosch는 강조합니다. 오히려 그것은 개인의 강점을 다루며, 또한 개인의 성실성을 회복하고 내부 지원이라는 놀라운 특성을 가지고 있습니다. 이런 맥락에서 F. Nietzsche의 입장은 흥미롭다. 그에게 건강은 질병으로부터의 해방을 의미하는 것이 아니라 질병에 대처하는 개인의 능력을 의미합니다. 그리고 시각적 창의성 과정에서 실현되는 것은 바로 이러한 능력입니다.

3. 예술 치료 진단 규칙.

따라서 예술치료진단은 자급자족적 방법이라고 볼 수 없으며, 따라서 과학 연구에서 보조적인 역할을 합니다. 그러나 다른 질적 방법과 결합하여 연구 중인 현상에 대한 현상학적 그림을 최대한 완전하고 주의 깊게 제시하고 이에 대한 깊고 개별화된 이해를 제공하는 것이 예술 치료 상호작용입니다.

현상학의 관점에서 볼 때, 고객의 창의적인 제품은 고객 성격의 일부인 내부 경험의 표현으로 간주됩니다. M. Betensky의 관찰에 따르면, 이 방법은 처음에는 예술가의 역할을 한 다음 관찰자가 되고 때때로 치료 과정에서 자신을 개인으로 인식하는 사람에게 자신감을 불러일으킵니다. . 이 느낌은 체계적인 자기 표현과 내면 경험에 대한 개방성을 통해 커집니다.

예술 치료 진단은 또한 감정과 직관에 의존하는 해석학적 방법의 맥락에서 합법적으로 고려될 수 있습니다. 이는 기호-상징적 표현을 갖는 주체의 특정 행위의 내적 논리와 의미를 재구성하려는 의도이다. 사람의 외부 표현 뒤에 숨겨진 주관적인 의미, 가치, 관계, 경험 및 기타 인도주의적 실체를 보는 것이 가능하다는 것을 이해하는 데 도움이 됩니다. 이러한 독특한 기회는 미술치료사가 시각적 제품을 통해 내담자와 언어적, 비언어적 의사소통을 하는 과정에서 제공됩니다.

R. Goodman에 따르면 심리치료사 V. Oaklander의 작품에는 시각 자료에 대한 예술 치료 논의의 본질을 반영하는 간단한 지침이 포함되어 있습니다. "황금률".

고객이 원하는 방식으로 자신의 작업에 대해 이야기하게 하십시오.

그림의 특정 부분에 대해 논평하고, 의미를 명확히 하고, 특정 모양, 개체 또는 문자를 설명하도록 요청하세요. 이는 작업 내용에 대해 성급한 가정을 피하는 데 도움이 됩니다.

고객에게 가급적 각 이미지 요소에 대해 1인칭으로 ​​작품을 설명하도록 요청하세요. 클라이언트는 해당 부분이 문자인지, 기하학적 모양인지, 개체인지에 관계없이 작품의 개별 부분 간에 대화를 구성할 수 있습니다. '자기 지향' 질문과 '객체 지향' 질문을 구별할 필요가 있습니다. 고객의 의견은 해당 항목의 외부 또는 내부 속성과 관련될 수 있습니다. 예를 들어 고객이 점토로 음식을 조각했다면 아침으로 무엇을 먹었는지, 어머니가 만드는 가장 좋아하는 요리가 무엇인지 물어볼 수 있습니다. 첫 번째 질문은 좀 더 “객체 지향적”이고, 두 번째 질문은 좀 더 “자기 지향적”입니다. 미술치료사는 특정 문제를 선택할 때 어떤 수준에서 먼저 논의를 진행해야 하는지 결정해야 합니다. 내담자가 이미지의 이 부분이나 저 부분이 무엇을 의미하는지 모르는 경우 미술 치료사는 설명을 제공할 수 있지만 내담자에게 이 설명이 자신에게 얼마나 사실처럼 보이는지 물어봐야 합니다. 말한 내용에 대한 태도는 언어적 반응과 비언어적 반응을 통해 확인됩니다. 설명이 어떤 반응도 이끌어내지 못하는 경우, 이것이 잘못된 해석 때문인지 아니면 내담자의 준비 부족 때문인지 고려해 볼 가치가 있습니다.

고객이 색상에 집중하도록 격려하십시오. 그들은 그에게 무엇을 말하고 있습니까? 색상에 집중함으로써 그는 무언가를 인식할 수 있습니다. 색상은 다른 시간에 다른 방식으로 사용될 수 있다는 점을 고려해야 합니다. 어떤 경우에는 개체의 속성을 반영하고 다른 경우에는 이러한 개체에 대한 작가의 태도를 반영합니다.

고객의 억양, 신체 위치, 표정, 호흡 리듬을 녹음해 보세요. 이러한 관찰을 사용하여 추가 질문을 안내하거나 내담자가 스트레스를 많이 받는 경우 다른 주제로 전환하십시오. 시각적 과정은 뚜렷한 신체적, 정서적 반응과 연관되어 있으므로 미술 치료사의 관찰을 받아야 합니다.

고객이 창의적인 작업에 대한 자신의 진술과 생활 상황 사이의 연관성을 이해하도록 돕고, 그가 만든 시각적 제품이 실제 생활에서 무엇을 어떻게 반영할 수 있는지 신중하게 질문합니다. 내담자가 해석을 통합할 수 있는 정도를 이해하는 것이 필요합니다. 귀하의 설명이 타당하더라도 저항을 유발할 수 있습니다. 그러나 귀하의 말이 맞고 고객이 아직 이를 받아들일 준비가 되지 않은 경우 이러한 설명으로 돌아갈 기회가 있다는 것을 기억하십시오.

이미지의 누락된 부분과 그림의 빈 공간에 특히 주의하세요. 하나 또는 다른 부분의 부재가 상징적 부하를 전달해야 하는 것은 전혀 필요하지 않습니다. 이미지에 "약칭" 문자가 있을 수 있습니다. 예를 들어, J. Bovers는 폭력을 당한 사람들이 인간의 모습을 묘사할 때 어떤 경우에는 하체의 부재가 억압된 성욕을 나타낼 수 있고 다른 경우에는 "나"의 왜곡된 이미지를 나타낼 수 있다고 지적합니다.

때로는 이미지를 문자 그대로 받아들여야 하며, 때로는 묘사된 것과 반대되는 것을 찾아야 한다는 점을 기억하십시오. 특히 그러한 가정에 대한 이유가 있는 경우에는 더욱 그렇습니다. 특히 에디스 크레이머(Edith Kramer)의 작품에는 강한 자아와 자신감을 지닌 판타지 영웅을 묘사하는 어린이들의 사례가 가득하다. 동시에, 그녀는 그러한 이미지가 종종 "나"의 이상적이고 비현실적인 이미지를 형성하려고 노력하는 아이들에 의해 만들어지며 그 결과 매번 이 이상의 붕괴를 고통스럽게 경험한다고 지적합니다.

내담자에게 작품을 만드는 동안, 시작하기 전, 그리고 완성된 후에 어떤 느낌을 받았는지 이야기하도록 요청하세요.

고객에게 자신에게 편리한 속도로 작업할 수 있는 기회를 제공하고 그가 탐색할 준비가 된 상태를 묘사하고 반영할 수 있는 것을 묘사할 것이라는 지식을 제공하십시오. 접근 방식의 지시 정도에 관계없이 우리는 고객이 예술적 과정과 그 결과를 통제하고 있다고 느낄 수 있는 기회를 제공해야 합니다.

고객의 작업에서 가장 일관된 주제와 이미지를 강조하려고 노력하세요. 시간이 지남에 따라 의미론적 연결이 결정됨에 따라 많은 부분이 더 명확해지고 "말"될 수 있습니다. 시간이 지남에 따라 고객은 수행된 모든 작업의 ​​맥락에서 자신의 이미지에서 통일된 의미 라인을 볼 준비가 될 것입니다.

따라서 현대 과학계에서는 시각적 제품의 합리적 해석 가능성에 대한 반대 의견이 공존합니다. 일부 입장에 따르면 창의적 영감의 비합리적인 특성으로 인해 그림을 논리적으로 이해하고 "읽는" 것이 불가능합니다. 또 다른 관점에 따르면, 이미지에 포함된 '개인적 의미'와 경험은 '예술가' 자신과 작가가 작품을 이해하도록 도와주는 전문가(미술 치료사, 심리학자) 모두에 의해 해독되고 실현될 수 있습니다. 자신의 창의성의 내용과 상징.

이러한 아이디어는 일반적으로 예술 치료 진단의 잠재적 능력과 그 효과의 한계 측면에서 연구 개발의 주요 추세를 반영합니다.

동시에 전문가들은 미술치료 자체의 긍정적인 자원과 금기사항이 없다는 점에 동의합니다. 문화적 경험이나 예술적 능력에 관계없이 5세에서 6세 사이의 누구나 예술치료 과정에 참여할 수 있습니다. 이 기간 이전에는 상징적 활동이 여전히 형성되고 있으며 아이들은 표현의 재료와 방법만을 습득하고 있다고 믿어집니다. 미취학 아동의 시각적 활동은 장난스러운 실험의 틀 안에 남아 있으므로 미술 치료 활동은 완전히 효과적이지 않습니다.

반대로 청소년기와 청소년기는 미술 치료를 사용하기에 유리합니다. 표현력 있는 제품을 통한 의사소통은 언어적 의사소통보다 선호되는 경우가 많습니다. 이는 청소년이 자신의 경험을 시각적 이미지로 "숨기고" 성인(심리학자, 교사)과의 직접적인 접촉을 피하는 데 도움이 되기 때문입니다. 성인과 어린이는 자신의 정신내적 문제와 갈등을 인식하면서 점차 말로 표현하고, 극복하고, 해결하는 단계로 나아갈 수 있습니다.

결과적인 예술 작품의 분석이 진단 측면에서 흥미롭다는 것은 분명합니다. 알려진 바와 같이 사람의 지향의 가장 중요한 특성 중 하나를 결정하는 지배적 감정의 내용을 선택하는 것은 유익합니다.

심리학자의 성찰 주제는 감정과 색상의 범위, 그림의 일반적인 색상, 긍정적 및 부정적인 감정 묘사의 상대적 채도, 하나 또는 그 이상의 우세 정도와 같은 특성 및 기호가 될 수 있습니다. 다른 하나. 같은 맥락에서 드로잉 과정의 노동강도라는 관점에서 작품을 평가하는 것이 중요하다. 이 과정은 얼마나 에너지가 넘쳤고, 작가는 의도한 이미지를 만들기 위해 얼마나 많은 노력을 기울였는가? 실루엣이 완전히 채워졌나요, 아니면 빈 공간이 남아 있나요? 이미지 요소의 통합 정도에 대해 무엇을 말할 수 있습니까? 시각화된 감정 하나하나를 작업하는 데 얼마나 시간이 걸렸고, 어떤 어려움을 겪었나요?

물론, 사람의 자세는 정보를 제공할 뿐만 아니라 각 감정의 위치와 관련 감정 및 감정 상태도 알려줍니다.

예를 들어, 한 의견에 따르면 사랑의 느낌 (증오도 포함)은 머리에 배치되어야하고 다른 의견에 따르면 심장 영역에 배치되어야합니다. 사람의 전체 실루엣은이 느낌에 의해서만 점유되거나 반대로 전혀 존재하지 않는 경우가 있습니다. 두려움과 공포는 대개 다리(“흔들리는 다리”, “흔들리는 무릎”), 얼굴(눈, 이마, 입술)에 그려집니다. 공격성과 분노는 발, 주먹 또는 얼굴에 가장 자주 묘사됩니다.

저자는 색상 솔루션 선택에 더 만장일치로 동의합니다. 사랑의 감정은 주로 분홍색이나 빨간색으로 채색됩니다. 침략과 분노 - 검정색, 더러운 갈색, 진한 보라색; 두려움과 공포 - 회색, 짙은 회색.

색상 범위에주의하는 것이 중요합니다. L.N. Sobchik에 따르면 주로 갈색, 회색, 검정색을 선택하면 스트레스의 원인과 대상에 관계없이 뚜렷한 스트레스 상태가 드러납니다. 이것은 객관적으로 극도로 어려운 상황이거나 삶의 어려움에 대한 불안정한 사람의 신경증적 반응일 수 있습니다. 감정은 안정적인 동기적 중요성을 지닌 현상을 강조합니다.

수업 당시 그림의 저자 인 성인 남성은 오랫동안 직업적 갈등이 장기간 지속되어 건설적인 탈출구를 찾을 수 없었습니다. 상황은 그에게 절망적으로 보였습니다.

심리학자의 제안에 따라: 묘사하고<<заполиитъ» контуры человека любыми эмоциями, чувствами подхо­дящей окраски, - протеста не последовало. Напротив, мужчина с удовольствием принялся за работу. Сначала, не задумываясь, быстро нарисовал черным цветом комок ненависти в правой половине груди силуэта. Затем - темно-коричневым изобразил жадность в кулаках. Гряз-

그러나 그는 그림의 나머지 표면을 회색으로 칠했습니다. 그의 생각으로는 두려움이 몸 전체에 퍼지기 때문입니다. 심장 부위에 그는 두 가지 색상의 통증 (늪지대와 녹슨 갈색 음영)을 "고정"했습니다. 작업이 거의 완료되었고 작가는 그것을 보면서 오랫동안 생각했습니다. 결과적으로 또 다른 느낌이 나타났습니다. 자기 만족은 우주복 형태의 거품처럼 그려진 사람의 머리와 어깨 위로 솟아 올랐습니다. 남자는 토론 단계에서 그 이미지에 만족한다며, 먼저 떠오르는 기본적인 감정과 감정을 모두 그려냈다고 말했다. 그는 미술치료 그룹의 다른 참가자들의 그림을 가득 채웠던 사랑, 기쁨, 행복, 기쁨, 놀람 및 기타 감정적 상태를 완전히 잊어버렸기 때문에 진심으로 놀랐고 오랫동안 웃었습니다.

따라서 제안된 연습을 재미있는 방식으로 수행하면 모든 감정과 감정을 느끼고, 깨닫고, 경험하고 표현할 수 있습니다.

동시에, 창의적인 자기 표현 과정에서 무의식적 상징적 수준에서 내부 긴장의 "반응"이 일어나고 개인 성장과 발전의 새로운 길이 사람에게 열립니다.

“우리는 상징과 추상화로 그림을 그립니다”

이 연습은 특정 느낌을 가지고 작업하는 맥락에서 이전 주제를 계속합니다. 지침 옵션:

이미지 스타일과 예술적 수단을 사용하여 죄책감(슬픔, 상실, 사랑, 행복 등)의 이미지를 만듭니다.

색상, 선, 모양을 사용하여 죄책감(슬픔, 행복 등)에 대한 이해를 표현하는 이미지를 만드세요.

자신의 죄책감(분노, 질투 등)을 상징적인 언어로 이야기해 보세요.

상징과 추상화를 사용하여 죄책감을 느낄 때(버림받음, 사랑받을 때 등) 경험하는 것을 그려보세요. - 그런 다음 행복할 때(슬픔, 기분이 상할 때) 그림을 그려보세요.

절차 "무엇이 보이나요?" 그림에 대한 작가 자신의 연관성과 아이디어를 명확히 하는 데 도움이 될 것입니다. 특정 느낌을 묘사할 때 색상, 형태, 구성에 대한 작가의 주장을 논의하는 것은 흥미 롭습니다. 기쁨의 이미지 또는 반대로 슬픔의 이미지가 생성되었음을 나타내는 징후는 무엇입니까? 그림의 줄거리는 기쁨(슬픔, 죄책감, 분노)에 대한 당신의 이해와 일치합니까? 행복한 감정(슬픔, 미움)을 그려달라고 하면 어떤 에피소드가 나오나요?

이러한 주제별 작업은 그룹 내 높은 수준의 개방성을 장려합니다. 따라서 심리학자는 수업에 참여하는 각 참가자의 개성을 존중하고 심리 상태를 관리하는 것을 기억하는 것이 특히 중요합니다.

<<Путешествие в детство»

초기 추억의 그림은 일반적으로 작가와 주변 현대 세계의 관계에 대한 일종의 은유로 간주됩니다. 대인관계의 상징적 모델로서 어린 시절의 기억은 개인의 상호작용의 특성, 의사소통의 어려움과 이를 해결하는 방법, 과거와 현재의 반응의 성격을 반영한다고 믿어진다. 이러한 현상은 미술의 성격과 밀접한 관련이 있다(V.

어린 시절의 추억을 담은 말과 그림은 대상의 내면 세계와 관련된 감정을 창의적으로 표현하는 데 강력한 자극이 됩니다(F. Mausi et al.).

따라서 여러 세션(수업)의 주제는 "나는 어린아이처럼 놀 수 있습니다..."라고 들릴 수 있습니다.

작업 중 하나: 어린 시절부터 가장 좋아했던 게임(또는 활동)을 "일하지 않는" 손으로 그리고 그림의 이름을 정하는 것입니다.

목표에 따라 지침은 어린 시절 기억의 감정적 색상(즐거움, 즐거움, 쓰라림, 충격)을 자유롭게 선택할 수 있습니다. 즉:

"일하지 않는" 손으로 어린 시절의 사건(어린 시절의 기억)을 그립니다.

일하지 않는 손으로 가장 생생한 어린 시절의 기억을 그려보세요.

작업에는 부드러운 시각 자료(왁스 크레용, 파스텔), 대형 용지(A3 이상)를 사용하는 것이 좋습니다.

"오른손잡이"가 왼손으로 그림을 그릴 때 기술의 한계를 뛰어 넘는 것처럼 보이고, 의식적 통제력을 약화시키고, 감정에 호소하므로 더욱 자연스러워지는 것은 분명합니다. 그는 그림의 완성도를 생각하지 않고 간단히 그릴 수 있습니다. 동시에 강한 감정, 어린 시절의 두려움 및/또는 생생한 창의적 이미지가 나타날 확률이 높습니다.

이 특별한 어린이 게임이 상상 속에서 발생한 이유를 논의하는 것이 중요합니다. 그 사람은 이미지 작업을 하면서 어떤 느낌을 받았고, 지금은 어떤 느낌을 갖고 있나요? 회상된 에피소드는 저자의 “인생 시나리오”, 일반적인 행동 전략과 어떤 연관성이 있으며, 그것이 현재 그의 삶에 어떤 영향을 미치나요?

이어지는 세션에서는 어린 시절의 추억에 대한 주제가 계속될 수 있습니다: “나의 첫 번째 거짓말...”, “가장 인상적이었던 사건...”, “나는 어린아이입니다”, “어렸을 때”, “첫 번째 상실. ..', '인생 최초의 이별', '아이들의 비밀' 등

"그림의 변형"

작업의 의미는 간단합니다. 각 참가자는 신속하게 일종의 작업을 생성하도록 요청받습니다.

또는 이미지를 선택하고 간단한 그림이나 색상의 점만 그린 후 다음 참가자에게 작업을 전달하여 계속해서 그림을 그립니다. 연습은 여러 원을 돌고 각 그림이 첫 번째 작성자에게 돌아갈 때 종료됩니다.

본래의 의도와 일어난 변화, 그 과정에서 발생한 감정을 논한다. 수업이 끝나면 집단 그림이 벽에 부착됩니다. '외국의 공간'에서 한동안 미술을 연상케 하는 독특한 전시가 탄생하고 있다.

이 기술은 그룹 과정에서 강한 모순을 드러내고 공격적인 감정과 분노를 유발할 수 있으므로 미술 치료사는 참가자들에게 서로의 작업을 배려하는 것에 대해 경고해야 합니다.

자신의 그림의 최종 (집단) 버전에 대한 사람의 태도는 시트를 원으로 처음 옮기기 전에 자신의 아이디어를 얼마나 오랫동안 작업했는지에 따라 크게 달라집니다.

간단히 말해서, 많은 참여자들이 종종 극적인 변화를 더 쉽게 받아들일수록 원본 이미지에 대한 감정이 덜 투자되었습니다. 결국, 누군가가 파괴적인 경향을 보인다면, 작가에게 반환된 작품은 사실상 알아볼 수 없을 수도 있습니다.

친근한 태도로 초기 그림은 눈에 띄게 변하지 않습니다.

따라서 심리 치료 목적으로 시각적 창의성의 초기 단계에서는 시간 제한을 사용하는 것이 좋습니다. 또한 미술치료사 자신도 타인과 함께 공동 작업에 참여한다면 드로잉의 파괴적 경향을 어느 정도 통제할 수 있다.

따라서 원을 그리면 중요한 진단 자료를 얻고 개별 반응과 그룹 프로세스 개발을 관찰할 수 있습니다.

“투명 그림(유리 등방사선)” -

이 기술은 협력 또는 경쟁 경향, 지배력을 보여주고 "도움" 관계의 매력을 보여줄 수도 있습니다.

참가자들은 수직으로 설치된 한 장의 유리 위에서 쌍으로 작업합니다. 각각은 유리의 측면에 구아슈를 사용하여 칠하지만 미술의 주제는 공통적입니다. 예를 들어, 행복에 대한 생각을 묘사하고, 선함, 꿈, 고통, 기쁨 등을 그립니다.

언어적 의사소통의 한계. 아이디어, 줄거리, 작업 방법은 사전에 논의되지 않습니다.

분석 단계에서는 기성 구성을 비교하고 참가자는 자신의 행동이 얼마나 잘 조정되었는지, 전체 구성이 얼마나 성공적인지에 대해 의견을 교환합니다. 그림이 조화로운지, 단일 개념, 아이디어가 있습니까? 빛 속에서 구도는 어떻게 보이는가? 완성된 작품의 인상을 주는가, 아니면 이미지가 각 면에서 별도로 인식되는가?

참가자들은 차례로 그려진 물체의 특징을 파악하고 해석하며 발생한 연관성을 설명합니다. 모든 사람이 업무 파트너와 행동을 조정하지 않고 자신의 구성에만 주의를 기울였다면 이 특정 전략의 동기를 올바르게 명확히 할 필요가 있습니다.

하나의 논리로 공동 작업한 결과가 더 매력적인 것은 분명한데?!, 그려진 그림이 조화롭기 때문에 보세요;! 유리 양쪽과 빛에.

유리나 큰 판지에 플라스틱을 사용하여 그리는 기술을 사용하여 유사한 절차를 수행할 수도 있습니다. 또한, 시트를 넓은(굵은) 선으로 반으로 나누면 자율 구성의 가능성이 높아집니다. 국경이 거의 보이지 않는 경우(접힌 부분, 단단하고 얇은 연필), 리더십에 대한 뚜렷한 열망을 가진 대상은 쉽게 "외국" 영역으로 이동합니다.

단어와 상징은 생생한 인상과 실제 감각을 되살려 자연스러운 자기 조절 메커니즘을 촉발할 수 있는 것으로 알려져 있습니다.

불안감(감정적 요소)은 확실히 운동 불안(운동적 요소)을 유발할 뿐만 아니라 아이의 생각 과정과 성격(정신적 요소)의 변화를 유발한다는 것이 일반적으로 받아들여지고 있습니다. 결과적으로 긍정적인 이미지를 그리고 상상을 함으로써 즐거움을 경험할 수 있으며, 이는 표정, 몸짓, 행동, 자신과 타인에 대한 태도에 반영됩니다. 이는 잠재적으로 긍정적인 주제가 치료 목적에 특히 유용하다는 것을 의미합니다. "나의 가장 즐거운 (밝고, 친절하고, 행복한) 어린 시절의 인상"; "기쁨".

미술 치료 기술의 효과는 참가자 자신의 피드백, 수업에 참석하려는 끈질긴 열망, 성실성과 개방성, 대인 관계의 긍정적인 변화 및 기타 징후에 의해 크게 입증됩니다.

미술치료의 효과에 대한 일반화된 기준은 참가자의 상태에 대한 사회적, 심리적 지표의 객관적인 역학입니다.

일반적으로 제시된 연습과 기술은 매우 보편적입니다. 거울은 실제 생활에서 인간의 행동 패턴을 반영합니다.

미술치료 시스템

제안된 각 수업은 다목적이며 가장 일반적인 개인 문제 중 하나를 다루는 미술 치료 작업 시스템의 기초가 될 수 있습니다. 그중에는 두려움, 불안, 공격성, 수줍음, 의사 소통 문제, 그룹 내 상호 작용, 다른 사람과의 관계 및 기타 여러 가지가 있습니다.

동시에 제안된 순서의 수업 시스템은 단기 주제 중심 미술 치료 모델을 나타냅니다. 동시에, 주요 강조점은 치료 및 교정 목적에서 정신 예방, 사회 치료, 교육, 발달 및 진단 목적으로 이동합니다.

그룹과의 한 회의 시간은 30-120분입니다(미술 치료 목표, 작업 논리 및 참가자의 연령에 따라 다름). 빈도 : 일주일에 1~2회.

수업의 각 단계의 주제, 명확하게 정의된 구조 및 구체적인 내용은 조직의 질서와 방향성을 결정합니다. 그러나 심리치료적 관계 스타일과 정서적 분위기 측면에서 미술치료적 상호작용은 본질적으로 민주적이고 창의적이며 인본주의적이며 개인적 지향적입니다.

제안된 기술은 매우 보편적이며 7세부터 시작하는 초등학생부터 성인 및 노인까지 모든 연령 그룹에 적합합니다. 개별 미술치료에 맞게 조정될 수 있습니다.

레슨 I. "원 그리기..."

총론. 우선순위 목표

이 수업은 AT 작업을 시작하고 마무리하는 데 적합합니다. 이는 자발성과 성찰의 발전을 촉진합니다. 각 참가자의 개인적 특성, 가치, 열망, 문제의 성격, 그룹 내에서의 위치를 ​​명확히 할 수 있습니다. 대인 관계와 그룹 관계, 그 역동성을 드러내고 그룹 응집력을 형성할 수 있는 잠재력을 가지고 있습니다.

최적의 참가자 수는 14~16명(소그룹 2개)입니다. AT 공간은 대형 테이블 2개(학생 책상 배치 가능), 그 주위에 의자와 미술치료사 테이블이 배치되어 있습니다.

재료:

연결 솔기가 없는 각각 길이가 약 2m인 두꺼운 종이 롤 2개(테이블당 하나씩).

많은 어린이들이 작업 중에 물을 흘리거나 옷에 페인트가 묻으면 매우 걱정하고 속상해합니다. 이러한 불행한 사고가 창의성의 자발성과 자유를 제한하지 않고 수업의 치료 효과를 감소시키지 않도록 사전에 편안한 작업복을 관리하는 것이 필요합니다.

기본 절차. 스테이지

(참가자에 대한 지침은 이탤릭체로 표시되어 있습니다.)

1. 설정(“워밍업”). 운동 옵션:

갈겨 쓰다.

시트를 이리저리 전달합니다.

원으로 그리기.

2. 개인 작업.

테이블 중 하나에 앉으십시오. 원하는 경우 위치를 변경할 수 있습니다. 귀하는 테이블 주위를 자유롭게 이동하고 어떤 영역에서든 일할 권리가 있습니다.

원하는 색상으로 원하는 크기의 원을 그려보세요.

시트에 크기와 색상에 관계없이 하나 또는 두 개의 원을 더 그립니다. 테이블에서 물러나서 외부에서 생성된 이미지를 살펴보시기 바랍니다.

다음 지침은 작업 결과에 만족하지 않고 종이 웹 공간에서 원의 모양, 색상, 위치를 변경(명확화, 수정)하려는 사용자에게만 해당됩니다. 하나 이상의 그림을 만들 수 있습니다.

그림의 윤곽을 추적합니다.

가장 좋아하는 선으로 원을 연결하세요. 도로를 건설하고 있다고 상상해 보세요.

플롯 그림, 아이콘, 기호로 각 원의 공간을 채우십시오. 즉, 개성을 부여하십시오.

3. 팀워크.

그림 시트를 둘러보며 그림을 주의 깊게 살펴보세요. 다른 참가자들의 서클에서 무언가를 그리는 것을 정말로 끝내고 싶다면 그것에 관해 그들과 협상해 보세요.

패턴, 기호, 아이콘 등을 사용하여 시트의 남은 여유 공간을 그립니다. 먼저 집단 그림의 배경을 만드는 내용과 방법에 대해 다른 참가자와 동의합니다.

4. 언어화 및 성찰 분석의 단계.

그룹은 결과 그림을 벽에 부착합니다. 그런 다음 각 참가자는 함께 작업한 소감을 공유하고, 자신의 그림을 보여주고, 아이디어, 줄거리, 감정에 대해 이야기하고, 원하는 경우 다른 참가자가 그에게 쓴 좋은 소원을 큰 소리로 읽습니다.

이 기술을 위해 원은 조화의 신화적 상징으로 선택되었습니다. 날카로운 모서리가 없기 때문에 원은 승인, 우정, 동정, 부드러움, 관능 및 조각상을 의미하는 모든 기하학적 모양 중에서 가장 "자비로운" 것으로 믿어집니다.

서클에서 일하는 것은 통합적, 정서적, 직관적(우반구) 사고를 활성화하고 그룹을 통합하고 안정시키며 유리한 대인 관계 형성을 촉진합니다.

S. Rais의 관찰에 따르면 어린 아이들조차도 다른 모든 인물보다 원을 선호합니다. 이는 둥근 모양의 단순함 때문인 것 같습니다.

E. Bülow가 "여기에 당신을 위한 표시가 있습니다..."라는 기사에서 언급한 것처럼 기안자는 다양한 기호를 묘사하는 과정에 몰두하여 마치 시트의 전체 표면을 가장자리까지 채웁니다. 스스로 발견하는 것입니다. 때로는 더 크거나 때로는 작은 크기의 원이 점재하고, 서로 닿거나 교차하고, 때로는 서로 포함되어 있는 많은 시트는 상징으로서 원의 의미에 대한 의문을 제기합니다.

원 안에 그리는 것을 일반적으로 마브달라(마법의 원) 그리는 기법이라고 합니다. 심리학 사전에서 다음과 같이 만다라는 상징적 그림으로, 일반적으로 원 안의 정사각형이나 정사각형 안의 원으로 중앙에 어떤 상징이 있습니다. 이것은 내면 세계와 외부 세계를 연결하는 일종의 다리로, 자아, 온전한 성격, 조화로운 상태, 일반적인 수단으로는 표현할 수없는 미묘한 경험을 그림 형태로 묘사 할 수 있습니다 (C. Jung ). 최근에는 이 기술이 투사적 정신진단 도구로도 사용되기 시작했습니다.

제안된 수업 버전은 어떤 의미에서는 사회 측정 방법과 유사하며 중요한 진단 가치를 가지고 있습니다.

1단계의 임무 중 하나는 공동 활동을 통해 그룹 구성원을 알아가고/또는 그룹 구성원을 더 가깝게 만드는 것입니다. 이를 위해 R. Goodman에 따르면 "시트 전달" 연습이 특히 적합합니다. 그림에는 작가가 없기 때문에 아이러니와 비판의 대상이 될 수 없기 때문에 가치가 있습니다.

참석한 각 사람은 자신의 종이에 간단하고 친숙한 이미지를 그린 다음 오른쪽에 있는 이웃에게 그 그림을 전달하도록 초대됩니다. 그는 이미지에 무언가를 추가하고 이를 원을 그리며 전달합니다. 각 그림이 원본 작성자에게 반환되면 작업이 종료됩니다. 다음으로 참가자들은 자신의 인상을 교환합니다. 일반적으로 다음 작업 단계에서 창의적인 활동과 자발성을 나타내는 데 도움이 되는 유리한 창의적 분위기가 발전합니다.

이 연습의 수정 사항은 단일 그룹 도면을 작성하는 것입니다. 이 경우 원 주위에 한 장의 종이만 전달되며, 각 참가자는 차례로 자신의 디자인을 묘사하거나 이전 작가의 작업을 보완합니다.

운동은 특히 빠른 속도로 흥미롭지 만 이미 작업을 완료하고 다음 지시를 기다리는 사람들이 산만해질 수 있기 때문에 더 어린 학생 및 의지 장애가있는 어린이뿐만 아니라 대규모 그룹에서는 효과가 없습니다. 다른 사람들의 창의적인 과정에 공감하고, 논평하고, 조언하고, 아이러니하게 만듭니다. 가장 참을성이 없는 사람들은 다음과 같은 질문을 합니다. “다음은 무엇일까요? 내가..." 따라서 이러한 연습에서는 설정 단계에서 시간 제한이 필요합니다. 심리학자는 스톱워치를 사용하거나 박수로 그림 그리기를 중단하는 등 각 참가자의 작업 시간을 조절할 수 있습니다.

개별 작업 단계는 상당한 진단 잠재력을 가지고 있습니다. 원의 위치, 크기, 외곽선의 두께, 색상 선택, 연결선의 형식적 특성 등이 정보를 제공합니다. 원 안의 플롯 디자인의 내용과 상징성, 특징에 주목하는 것이 중요하다. 위의 특성을 바탕으로 피험자가 개인 공간을 어떻게 보고 인식하는지, 그의 열망, 자존감, 개인의 개인적 특성이 무엇인지에 대한 초기 인상을 형성하는 것은 어렵지 않습니다. 예를 들어, 강한 음영의 존재와 작은 이미지 크기는 아마도 아동의 불리한 신체적 및/또는 심리적 상태, 높은 수준의 긴장, 제약 및 불안을 나타냅니다. 반대로, 큰 사이즈와 밝은 색상의 사용은 건강, 편안함, 긴장감 부족 및 피로감을 나타내는 지표로 간주됩니다.

창의적인 작업 중에 사람이 어떻게 행동하는지, 지시 사항을 어떻게 인식하고 따르는지, 다른 사람의 창의성을 얼마나 신중하게 대하는지, 그룹과의 의사 소통에 성공하는지 관찰하는 것도 마찬가지로 중요합니다.

선호하는 색상의 연필이 없는 일부 어린이(및 성인도)는 참석한 누구에게도 해당 요청을 시도하지 않습니다. 가능하다면 상황을 명확히 하고, 공동 그룹 활동에서 피험자가 정확히 무엇을 바꾸고 싶어하는지 섬세하게 명확히 하는 것이 좋습니다.

진단에 유용한 정보는 다음 지침에 따라 얻을 수도 있습니다. "선을 사용하여 특히 마음에 들었던 선으로 그린 ​​원을 연결하십시오." 참가자는 종종 그림의 외부 매력이 아니라 저자에 의해 안내되기 때문에 이는 사회 측정학적 선택의 독특한 모델입니다. 또한 목표로 가는 길에 있는 "도로" 선이 묘사된 개체 중 일부와 교차하는 경우도 있습니다. 그림이 훼손된 분들의 반응에 주목하는 것이 중요합니다. 그들은 계속 일하고, 화를 내고, 보복으로 범죄자의 그림을 망치고, 새로운 공간을 "점령"하거나 다른 방식으로 행동합니까? 그림에 선 한 가닥도 그려보지 않은 분들이 계시나요? 다른 이미지와 연결되지 않는 이미지가 있나요? 있는 경우 시트 가장자리에 그려진 선을 사용하여 "접지"하도록 제안해야합니다. 그렇지 않으면 작성자는 그룹(E.R. Kuzmina)으로부터 거부감을 느낄 수 있습니다.

따라서 집단작업단계의 임무는 인간적인 상호작용과 상호지원의 상황을 조성하는 것이다. 공동 노력 덕분에 이전에 눈에 띄지 않았던 그림이 작가의 즐거움을 위해 더욱 매력적인 모습을 갖게 되었습니다. 일반적으로 긍정적인 감정에 대한 상호 공감과 "감염"의 분위기가 형성됩니다.

어린이들과 많은 어른들은 다른 사람의 공책에 그림 그리는 것을 즐깁니다. 사람이 다른 사람의 "영토"에 어떤 의도로 소개되었는지, 이 협력이 얼마나 우호적인지 이해하는 것이 중요합니다. 때로는 설득에도 불구하고 일부 참가자는 그림 변경에 동의하지 않으며 때로는 공격성을 보이기도 합니다. 그러한 상황에서는 주장할 수 없습니다.

일부 참가자는 원 주위의 선과 기타 이미지를 지우고 윤곽을 잡고 작업을 위해 선택한 장소를 공통 시트에서 분리하는 경우가 있습니다. 이러한 상황은 진단 측면에서뿐만 아니라 다른 사람의 개인 공간을 돌보는 맥락에서도 확실히 유익합니다.

다음 지침(배경 그리기)에는 시트의 여유 공간에 집단적 시각적 창의력을 구성하는 작업이 포함됩니다. 심리학자는 참가자들이 작업 완료의 내용과 방법에 어떻게 동의하는지 관찰해야 합니다. 모든 사람이 함께 일하고 단조로운 배경을 만드는지; 시트를 여러 부분으로 나누고 소그룹으로 작업하십시오. 그들은 개별적으로 자신만의 패턴을 그려서 원의 영역을 분리합니까? 이 작업에 리더와 불만족스러운 사람이 있습니까?

마지막 단계에는 개인 및 집단 작업 과정에서 발생한 생각, 감각, 감정이 언어로 표현됩니다. 자신의 그림을 해석하는 사람은 "수정"이라는 단어를 추가하고 자신이 묘사할 수 없는 것을 설명할 수 있습니다.

동시에, 집단이 이해하고 수용해야 할 필요성이 실현됩니다.

원칙적으로 수업 중에는 친근한 분위기가 조성됩니다. 토론 중에 참가자들은 '심리적 쓰다듬기' 기술을 직관적으로 사용합니다. 그들은 모든 그림을 칭찬하고 아이디어를 명확히 하며 정서적 지원을 제공합니다. 예를 들어, 수업 중 종이에 원을 보여주는 학생은 그리는 방법을 모르는 것에 대해 여러 번 사과했습니다. 중첩 인형의 뺨조차도 다른 색조로 밝혀졌습니다. 그러나 그룹은 즉시 또 다른 이유를 발견했습니다. 빛이 제대로 떨어지지 않고 그림이 매우 좋습니다.

수업을 마치면서 모든 사람의 성공과 각자의 고유성을 강조하는 것이 좋습니다. 어린이 그룹에서는 공동 창작 덕분에 일반 종이 두루마리가 우아하고 장식적인 캔버스로 바뀌었고 모든 원이 서로 연결되어 함께 안전하고 편안함을 느낀다는 점에 유의하는 것이 좋습니다.

수업을 마친 후 어린이와 어른 모두 자신의 '그림'의 미래 운명에 대해 걱정합니다. 예술치료 효과를 좀 더 오래 지속시키듯 벽(사무실, 오락실 등)에 부착해 두는 것이 좋습니다.

따라서 이 예술 치료 기법은 관계의 전체 팔레트에서 각 참가자의 위치를 ​​확실하게 드러냅니다.

"원 그리기..." 레슨 수정

1. 원 안에 자유롭게 그리기

각 참가자는 개별 작업을 위해 크기에 관계없이 하나 이상의 서클을 선택하도록 초대됩니다. (두꺼운 종이로 만든 직경 3~30cm의 템플릿을 미리 준비해야 합니다.)

원 그리기가 완성된 후, 참가자들은 5~7명의 소그룹으로 뭉쳐 자신의 창작물을 바탕으로 왓트만 종이 위에 전체적인 구성을 만듭니다.

다음으로 '그림'을 벽(판)에 부착하고 검사한 후 인상을 교환합니다. 수업은 반성적 분석으로 끝납니다. 개별 작업의 특징과 그룹 내 상호 작용에 대해 논의합니다. 참가자들에게 그림과 함께 이야기를 쓰도록 초대할 수 있습니다.

2. 원 안의 주제별 그림

서클에 구성을 만들려면 테마가 설정됩니다. 예를 들어 "백색과 검정색", "행복과 슬픔", "낮과 밤", "선과 나쁨", "내 자신의 반쪽"등이 있습니다. 가장 중요한 것은 작업 문구에 대체 개념이 포함되어 있다는 것입니다. 대조, 반영된 이중성, 전체의 숨겨진 모순, “동전의 양면”. 이런 종류의 작업은 개인이 자신의 내부 갈등, 경험 및 가치를 탐구하고 이해하도록 장려합니다.

3. 원의 공간에서 함께 그림 그리기 참가자들은 2인 1조로 팀을 이루어,

특정 크기의 원 템플릿을 선택(또는 그리기)하고, 내용, 시각적 수단, 협력 방법에 동의하여 단일 구성을 만듭니다.

모든 사람이 조화로운 패턴을 만들 수는 없다는 것이 분명합니다. 특히 커플이 우연히 형성되고 서로에게 익숙하지 않은 파트너로 구성된 경우 더욱 그렇습니다.

이 연습은 대인 상호 작용의 특성, 리더십이나 종속 경향, 참가자의 지배적인 행동 스타일을 명확하게 보여 주며 이는 진단에 큰 가치가 있습니다.

그다지 흥미롭고 유익한 것은 하나의 큰 원 공간에서의 그룹 작업입니다.

4. 진단 기법으로 원 그리기

미국 미술치료협회 회장인 로빈 굿맨(Robin Goodman)의 글에는 부모-자식 관계 진단을 위해 원을 그리는 기법이 설명되어 있습니다. 피험자들은 다양한 크기의 원을 사용하여 자신과 부모를 서로 일정한 거리에 있는 종이 위에 배치하도록 요청받습니다. 얻은 결과는 자녀에 대한 각 가족 구성원의 정서적 친밀감과 중요성의 정도를 크게 나타냅니다.

5. 만다라 만들기.

수업의 흥미로운 버전은 참가자가 적절한 규칙에 따라 상징적인 "마법의 원"(두꺼운 판지에 만다라)을 그린 다음 행운의 부적이나 부적으로 서로에게주는 것입니다. 종종 그러한 선물은 수년 동안 조심스럽게 보관됩니다.